Paxton @ the Movies

Las 10 mejores cintas del 2011

2012-01-05T10:00:00.000-06:00

1. Copia fiel (Francia-Italia-Bélgica, 2010) de Abbas Kiarostami

2. Agnus Dei: cordero de Dios (México-Francia, 2011) de Alejandra Sánchez

3. El caballo de Turín (Hungría-Francia-Alemania-Suiza-EUA, 2011) de Béla Tarr y Ágnes Hranitzky

4. Hiroshima (Uruguay-Colombia-Argentina-España, 2009) de Pablo Stoll

5. Miss Tacuarembó (Uruguay--Argentina-España, 2010) de Martín Sastre

6. Alucardos: Retrato de un vampiro (México, 2011) de Ulises Guzmán

7. Winter's Bone (EUA, 2010) de Debra Granik

8. Contagio (EUA, 2011) de Steven Soderbergh

9. Somewhere (EUA, 2010) de Sofia Coppola

10. Los Muppets (EUA, 2011) de James Bobin

Copia fiel. Por Jorge Ayala Blanco

2011-05-12T10:28:00.002-05:00

A raíz de que hoy es el estreno comercial en México de la obra maestra de Kiarostami, Copia fiel, rescatamos la excelente crítica de Jorge Ayala Blanco sobre ella, publicada en El Financiero, el 8 de noviembre de 2010.

LA RÉPLICA ORIGINAL

En Copia fiel (Copie conforme, Francia-Italia-Bélgica, 2010), primer filme ficcional en el extranjero del patriarca iraní de 70 años Abbas Kiarostami (El sabor de la cereza 97, El viento nos llevará 99), con guión trilingüe (francés-italiano-inglés) suyo, una todavía bella aunque visiblemente vulnerada galera anticuaria (Juliette Binoche, para quien Kiarostami delineó el proyecto) bien instalada en la Toscana y con lúcido respondón hijo púber (Adrian Moore), contacta en una presentación libresca con el canoso ensayista estético reivindicador de la copia en el arte James Miller (William Shimell) y, a punto de que éste parta en vuelo nocturno, se lo lleva a pasear en su auto durante un día radiante hacia el hiperartístico pueblito cercano de Lucignano; discueten ampliamente en el trayecto sobre la especialidad del hombre y, al llegar a su destino, se extasían como todo mundo ante la Musa Polinina (la Mona Lisa del museo local), si bien es sabido que se trata de una copia (¿superior al original como toda buena copia?) y, al descansar en un café, la patrona los confude cual marido y mujer, pero de manera perdurable, porque desde ese momento los paseantes comienza a portarse como tales, riñen acremente de continuo por cualquier estupidez, al modo de cualquier pareja con 15 años de casados, hasta que el varón de otra pareja aún más vieja hallada en la plaza (el guionista buñuealiano Jean-Claude Carrière con Gianna Giachetti) le aconseja al hombre simplemente posar su mano sobre el hombro de la mujer y otro tipo de acercamiento, más amable y melancólico.

La réplica original se mueve entre la ambigüedad de las identidades y el súbito, arbitrario cambio de identidad, como si ésta fuera un mero accidente mutable, un adjetivo, u otra abstracción de la dialéctica del original y la copia, cual si todo lo existente fuera copia de sí mismo, acaso sin original posible, al grado de que podría especularse si la aún guapa Binoche no es una inconfesada réplica francesa de la españolita ya cincuentona Victoria Abril, o si el barítono-bajo Shimell no es más que una cuellona copia otoñal de Alain Delon ¿copias inadmisibles y certificadas?

La réplica original emite, esgrime, y prodiga una delicadeza, muy rara o ajena al cine occidental, que todo lo impregna, haciendo palpitar cada espacio armonioso, acto, impulso o relación cambiante entre los personajes como algo íntimo y prodigioso, entrañable, conocido pero esperado, dulce y sagrado a un tiempo, trátese de los encuentros con la gente del pueblo (el guía, la dueña del café) como el sonar de las campanas de enfrente cuando los extraños amantes se junten dentro de la habitación donde pasaron su noche de bodas y el patético héroe desaprensivo nada pueda ya reconocer.

Y la réplica original se ha permitido la frivolidad exquisita de ciertos guiños orientales iraníes (cita a un innombrable poeta persa, esos bombásticos aretes de la heroína que ni siquiera pela su estragado acompañante) porque el atinado objetivo afinado del filme viene a ser nada menos que atacar y socavar radicalmente los fundamentos mismos del arte y la civilización occidentales, basados en el culto a la originalidad y la distinción banal entre copias de lo real inasible, en pos de una exclusión de la sencillez, la felicidad y el placer como máximos ideales humanos.

Winter's Bone (2010)

2011-04-27T14:04:00.002-05:00

En Invierno profundo (Winter’s Bone, EUA, 2010), segundo exitoso largometraje de Debra Granik, la madura y tenaz adolescente Ree (Jennifer Lawrence magnífica) debe resolver el misterio de la desaparición de su padre antes de que el agente de fianzas les quite la casa donde vive con sus dos hermanos menores, dado que para no perderla, su padre debe presentarse a juicio o en su defecto, muerto.

Winter’s Bone transita los caminos de una ficción calculadísima, de control total y superior por una Granik que conoce muy bien los códigos y las convenciones del film-noir, sus escenarios escabrosos y la galería de sus personajes dañados, sus pulsiones violentas y sus ambientes decadentes (teniendo como estupendo fondo la lumpenmiseria que pulula en la región montañosa de los Ozarks en Missouri), donde la pobreza jamás se trata miserabilísticamente como un obstáculo a vencer para la elaboración del cuento de hadas-relato edificante, sino como un hecho más, el perfecto paisaje para el surgimiento de este portentoso neo-noir campirano.

Winter’s Bone acumula el bien logrado suspenso a contracorriente de su ritmo más bien moroso, pausado, a imagen y semejanza de la vida agreste que viven sus personajes en el exacto opuesto del anti-suspenso incrustado en el vértigo análogo (nunca en verdad digital) de las vidas de los nerds y los millonarios estudiantes de Harvard de La red social de David Fincher, haciéndolo estallar en la exploración de cierto estanque-descenso a los infiernos que puede resolver el misterio crucial de la cinta o no.

Y Winter’s Bone consolida un magnífico cine en femenino plagado de verdades emocionales (“La verdad son las cosas como son, como han de ser y como serán”), con una heroína única e irrepetible, Ree-detective ocasional, Ree-salvadora de su hogar y protectora del mismo cual fiera, Ree-madre y por asociación padre sustituto también, con la fuerza abrasante de uno de los personajes femeninos más enormes que haya dado Hollywood al cine contemporáneo mundial.

Mi quiniela para el Oscar

2011-02-21T07:48:00.002-06:00

(click para hacer zoom)

Presunto culpable (2008)

2011-02-17T20:25:00.005-06:00

Presunto culpable hace exactamente 2 años fue exhibida por primera vez en México, en el marco de la gira de documentales Ambulante. La función a la que asistí era proyectada con una copia en progreso y al finalizar, hubo una sesión de preguntas y respuestas con Laila Negrete y Roberto Hernández. Nunca imaginé el impacto que tendría en su recorrido por festivales de varias partes de todo el mundo pero sobre todo, nunca me pasó por la cabeza lo que ocurrirá mañana: esta magnífica película se estrenará comercialmente con la mayor campaña mediática para un documental en la historia del cine mexicano.

Como si se tratara de una broma cósmica o de un castigo divino, en los primeros minutos del estupendo documental de también abogado con doctorado de la Universidad de California en Berkley Roberto Hernández, Presunto culpable (México, 2008), con producción independiente y por la libre de su esposa también abogada Laila Negrete, el acusado por homicidio Antonio Zuñiga confiesa que, a raíz de una relación amorosa bastante amarga, deseó que Dios le diera la muerte, o en su defecto, le quitara a aquella mujer de encima. No había pasado mucho tiempo cuando Zúñiga se encontraba acusado de un homicidio que ocurrió en la misma zona del DF, mientras un gran número de testigos contradecían al único testigo acusador, argumentando de que no podía estar a la hora del crimen en el lugar de los hechos porque se encontraba con ellos.

Por primera vez en la historia de México un juicio tradicional es documentado audiovisualmente, por este par de improvisados cineastas, que resultan saber mucho más de cine que muchos que por ahí andan cometiendo estropicios al por mayor. No sólo es que la denuncia resulte tan emotiva e indignante, logrando que el espectador quede asqueado por el sistema judicial mexicano corrompido hasta la médula. Es el hecho de que Presunto culpable sea en sí misma una película muy cinemática, valiosa por sus hallazgos audiovisuales.

Ese equilibrio en la forma y en el fondo, se hace manifiesto en el logro del filme de volver concreto (mediante una serie de sabios trucos sonoros y visuales) las abstracciones y las partes más áridas de un proceso legal del corte penal. Subrayado sonoro y visual de las partes más importantes de los oficios, animación de textos que vuelan que también quedan resaltados en su parte más sustancial, zooms cruciales a documentación oficial. En ese proceso de volver concreto lo que es abstracto, consiguen que la película se exprese en un lenguaje cinematográfico fácil de asimilar, aún por los espectadores a los que le es ajena la jerga jurídica.

Y el tono de la denuncia siempre sarcástico (lo que hace que la cinta jamás se tropiece con facilismos didácticos o melodramáticos), llega a su culminación con la toma de un letrero en el que se lee "VIVA MÉXICO" rumbo a los epílogos de un filme sorprendente: una denuncia calculadísima y valiente, intercambiable por un audaz desplante estético, y viceversa, hasta lograr que la película misma cumpla el sueño de todo documentalista: no sólo captar una realidad, sino elaborar un objeto fílmico (único e irrepetible) que la logre cambiar, aunque la esperanza al futuro se concrete en agridulce, casi amargo, por el tiempo robado a la vida de un hombre.

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Presunto culpable 8

Perfect Blue (1998)

2011-02-08T20:26:00.009-06:00

1. Perfect Blue, de Satoshi Kon, se adelanta tres años al universo femenino en fuga psicotónica que David Lynch perfeccionaría a niveles maniáticos en Mulholland Dr. y que llevaría a masa crítica con Inland Empire. Ahí está todo: el desdoblamiento de personalidades, la confusión por completo mindfucking entre lo “real” y lo filmado, la correspondencia de los espacios físicos con el laberinto mental (principalmente de los deseos y las fantasías reprimidas), y una erotomanía que no puede ser consumada más que en la violencia. Vaya, hasta por ahí aparece un TVserie maldita que poco a poco se apodera de la película. Delirante. ("No more blue tomorrows")

2. Pocos retratos más brutales sobre la celebridad de la estrella y la obsesión con la fama. Ese par de neurosis gradualmente se salen de control para develarse en una psicosis, causa y fin de la pulsión homicida. Por eso resulta tan provocadora la escena de la violación: la celebridad y la fama entendida como una violenta “prostitución simbólica” (William Saints). Obsesiva. Pequeño breviario cultural: el dibujo animado de la protagonista Mima, actúa mucho mejor que la muy cacareada Natalie Portman-Nina en El cisne negro.

3. La pulsión homicida y psicótica le da a Perfect Blue el tono de erizado y descarnado horror film. Estrenada en Japón el mismo año que la sensación mundial Ringu, de Hideo Nakata, se aleja del estilo y de los motifs del filme de fantasmas de Nakata y se acerca con audacia a los giallos de Darío Argento, aunque sí conserva un apunte inquietante: el miedo a la tecnología, que es el medio donde el Mal acecha y se materializa. Profética.

4. Perfect Blue se adelanta con eso último también a la tecnofobia de la terrorífica Pulse. El internet (que aquí es visto con deliciosa ingenuidad histórica) como el mecanismo para el acoso y la pérdida absoluta de la privacidad, inclusive la de tus pensamientos más recónditos.

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Perfect Blue 10

2010: Mis reseñas favoritas/ Biutiful por Alejandro Murillo

2011-02-07T19:38:00.004-06:00

Cineastas necios que os regocijáis en los azotes de la miseria sin razón.

Que creáis personajes tan barrocos como superficiales, y os fundáis en tramas tan barrocas como oportunistas, sin razón.

Que tenéis que fusilaros el inicio de Los amores de una rubia, sin razón.

Que filmáis una película en Barcelona, pero decís que es mexicana. Que pudistéis haber filmado en México, pero enconces no hubieses tenido al actor que queréis, sin razón.

Que teneís que subir el nivel de la música para compensar que la trama no es perturbadora ni conmovedora, ni enseña ni informa ni sensibiliza, sino lo vuelve a uno más escéptico del esnobismo miserabilista virtuosamente fotografiado y decorado en paleta de color, sin razón.

2010: Mis reseñas favoritas. The Social Network, por Ricardo Bedoya.

2011-02-02T08:45:00.002-06:00

David Fincher, el director de “Red social”, filmó hace algunos años una cinta sobre Zodiac, el asesino que aterrorizó Estados Unidos en los años sesenta. Era una crónica de las investigaciones seguidas para descifrar las pistas y huellas dejadas por el criminal. Y antes que “Zodiac” hizo “Se7en, pecados capitales”, donde un escurridizo asesino anunciaba sus ilustrados delitos mediante crípticos signos. En las mejores películas de Fincher vemos duelos de inteligencias, pesquisas para detener ambiciones desequilibradas, juegos de poder, cínicos intercambios de acerados diálogos, lealtades traicionadas, pistas irresueltas, atmósferas deletéreas, ambigüedades morales, mensajes lanzados a redes alternativas.

El personaje de Mark Zuckerberg no es, por supuesto, un criminal pero, por alguna razón, recuerda a Zodiac, así como a los personajes poderosos e infelices de Orson Welles (no sólo a Kane, una referencia obvia), de Joseph L. Mankiewicz, o al célebre desdichado de Scott Fitzgerald. Tal vez porque, como ellos, trata de mediar su soledad, “diferencia” o incapacidad para la comunicación directa con los otros, a través de signos que se cifran y descifran y, en tiempos digitales, de códigos binarios, algoritmos matemáticos, fórmulas lanzadas a la “multitud”.

“Red social” no es el relato aleccionador de una trayectoria de éxito, la biografía exaltante de un triunfador o la ilustración de acentos épicos del modo en que se creó Facebook. La película ni elogia el emprendimiento ni es el manual que informa del caso líder de triunfo empresarial de la primera década del siglo. A Fincher –y a su guionista Aaron Sorkin- le atrae la singularidad de Zuckerberg pero le repugna la posibilidad de representarlo como un ser ejemplar. Y Facebook, la red de los 500 millones de “amigos”, es vista como el espacio donde se negocia la soledad individual a cambio de la ilusión de sentirse miembro de una “comunidad” virtual.

“Red social” es, más bien, un cuento moral de acentos sombríos, como el estilo fotográfico del filme. Cuenta la historia de un grupo de jóvenes dispuestos a vender al diablo sus almas –y hasta sus chicas y sus mejores amigos- a cambio de éxito y dinero. Pero a diferencia de las historias clásicas de tratos con Mefistófeles, aquí no hay lugar para culpas o sanciones. Nadie vislumbra el mal en lo que hace: “negocios son negocios” y hasta la más inescrupulosa maniobra se puede arreglar con una transacción extrajudicial. “Red social” es fábula y retrato generacional sobre la aristocracia del poder en la era digital. De Harvard a Palo Alto, la descripción del recorrido de Zuckerberg es también la de sus entornos y personajes típicos: “nerds” versus aristócratas, “geeks” opuestos a frívolos, todos ellos brillantes y alineados en una “carrera de ratas” que conduce a la mejor cotización en bolsa de sus empresas. Todos imbuidos de una cultura del éxito que naturaliza la trapacería y la deslealtad.

Fincher no filma acciones; filma procesos, trayectorias. Urde una trama de suspenso que imbrica el presente y el pasado del relato, pero es un suspenso débil, que nunca estalla sino que se procesa con lentitud a través de diálogos incesantes. Pocas películas tan dialogadas como “Red social” y tan alejadas en su tratamiento visual del mundo al que refiere. Aquí no domina la luz de los monitores ni se impone el vértigo de la época digital. Los ocres de la fotografía, el ajustado montaje de los gestos, la sobriedad en las actuaciones y el registro moroso de los tiempos son rasgos que marcan el transcurso denso de la película, retrato de un hombre que cambia la manera en que nos comunicamos hoy pero manteniendo inalterable su eclipse emocional.

---Ricardo Bedoya.

2010: Mis reseñas favoritas. Hunger, por José Abril

2011-01-30T13:38:00.001-06:00

Hace algunos años, en la segunda mitad de los noventas para ser exactos, el británico Peter Greenaway intentó crear cierta polémica sobre la naturaleza del cine. Para el ahora artista multimedia demasiada cuenta rendía el medio, el arte de la imagen en movimiento, a la literatura. Así, el lastre narrativo -porque en la lógica greenawayniana la narrativa tradicional eso significaba- poco positivo empezaba a resultarle. Con sus ideas intentaba reivindicar esa enorme deuda que el cine tenía (y no lo dudamos, sigue hasta cierto punto teniendo) con las artes plásticas y de la que pocos, muy pocos según él, estaban enterados. Mucho de lo que Greenaway vociferaba parecía querer provocar una cercanía del cine con el videoarte o la video-instalación en pos de algo más cercano a la galería cosmopolita que a la vulgaridad de las multi-salas de centro comercial. Y como buen provocador posmoderno empezaba a descontar cabezas: desde los clásicos veneradísimos por tradición hasta los contemporáneos emergentes. Pocos lograban salvarse vistos desde su óptica. Para quien esto escribe esas reflexiones en voz alta no pasaban de ser imposturas que poco eco, afortunadamente, tuvieron.

El Greenaway de aquel entonces viene a cuento porque el Steve McQueen de Hambre (Hunger, Inglaterra/Irlanda, 2008) me lo recordó. Pero aclaremos: me lo recordó en diferente sentido. Ahora pongamos en perspectiva: McQueen viene del ámbito en el que Greenaway parece sentirse bastante cómodo y en su salsa: el videoarte y la video-instalación (en el caso de Greenaway la cine-instalación), la multimedia y el llamado arte de vanguardia, en el que la imagen en movimiento poco se entiende con convenciones narrativas y los instantes representados casi siempre mediante la imagen digital, descontextualizados, devienen abstracciones, ejercicios puramente formales y un tanto crípticos. Y viniendo de esos terrenos se pudiera pensar que su incursión al cine sería una traslación a formato grande, caro y extendido de aquello con lo que ha cosechado cierto prestigio en los caminos de las bienales, muestras y festivales de vanguardia artística. Para decirlo bajo la lógica de Greenaway: McQueen es alguien que por su formación y sus antecedentes pudiera entender aquellas preocupaciones. Pero NO. McQueen, por fortuna, no va con bandera de “niño terrible”, de esteta provocador autoconsciente como Greenaway, aunque no renuncie a la mirada del esteta (en este caso, así, a secas) por la que Greenaway apostaba.

Efectivamente, McQueen no abandona la mirada del “artista”, pero tampoco subestima la naturaleza narrativa del medio ni su fuerza e impacto emocional. Hambre, pues, no es una impostura y no es en ese sentido un arrogante ejercicio manierista de ensayar con el encuadre tiesas y frías composiciones plásticamente evocadoras. Es, para decirlo con urgencia, una extraordinaria obra integral y compleja, orgánica si cabe la definición, que sin dejar de asumirse como un ensayo de forma atiende de manera sensible y cálida el fondo, los acontecimientos y personajes que le dan absoluta sustancia. Hay historia (una cierta estructura no del todo convencional pero narrativamente regida por la lógica de la causalidad) e Historia (la recreación de unos acontecimientos del pasado más o menos reciente en las conflictivas relaciones entre Irlanda e Inglaterra). Hay distancia contemplativa frente a ciertas situaciones pero también lugar para los mecanismos introspectivos de los personajes (principalmente Bobby Sands, el activista del ERI en el que se termina centrando el film, interpretado formidablemente por Michael Fassbender). Y aunque de vez en cuando se nos deja escuchar en off la fría voz de la siniestra Margaret Thatcher para puntualizarnos su contexto, hay en los recursos de McQueen (o en la ausencia de ciertos recursos) la posibilidad de darle a la(s) historia(s) una dimensión atemporal y universal.

Hay otras tantas cosas de las que quisiera hablar a propósito de Hambre. La concepción orgánica y poética de los espacios–con todo y excremento u orina incluidos-, el extraordinario balance que se logra, en algunos momentos, entre cierto estatismo formal y la fluidez de los diálogos dinamitando el rutinario plano/contraplano (la escena protagonizada entre Bobby Sands y el sacerdote debería ruborizar de vergüenza a Tarantino) o las muy freudianas (Lucien, no Sigmund) aproximaciones a la agonía y el deterioro del cuerpo. Pero como también hay otras tantas cosas que tengo que hacer y no quiero englosinarme, hasta aquí la dejo.

Greenaway, al parecer, no ha creado monstruos.

Hay otro esteta cinematográfico al que McQueen parece aproximarse con todo y las distancias: Dereck Jarman. Pero éste ya es una asignatura pendiente.

-José Abril

2010: Mejores estrenos comerciales

2011-01-13T05:00:00.002-06:00

1. Hambre (Reino Unido-Irlanda, 2008) de Steve McQueen

2. Los siete días del Talión (Canadá, 2010) de Daniel Grou

3. Año bisiesto (México, 2010) de Michael Rowe

4. El vuelco del cangrejo (Colombia-Francia, 2009) de Oscar Ruiz Navia

5. The Social Network (EUA, 2010) de David Fincher

6. Un hombre serio (EUA-RU-Francia, 2009) de Ethan & Joel Coen

7. The Hurt Locker (EUA, 2008) de Kathryn Bigelow

8. Los niños (Reino Unido, 2008) de Tom Shankland

9. Zombieland (EUA, 2009) de Ruben Fleischer

10. Unthinkable (EUA, 2009) de Gregor Jordan

Las que quedaron fuera, muy a mi pesar: Thirst (Corea del Sur, 2009) de Park Chan-wook y El divo (Italia-Francia, 2008) de Paolo Sorrentino. Así es esto.

2010: Menciones honoríficas

2011-01-12T05:00:00.002-06:00

El satanismo hipermoderno, la ambivalencia clerical, el vuelo maravillado, la ciencia ficción minimalista, el onirismo videogamer.

(en estricto orden alfabético)

Actividad paranormal 2 (EUA, 2010) de Tod Williams

Camino (España, 2009) de Javier Fesser

Cómo entrenar a tu dragón (EUA, 2010) de Dean Deblois & Chris Sanders

Moon (Reino Unido, 2009) de Duncan Jones

Scott Pilgrim vs the World (EUA-RU-Canadá, 2010) de Edgar Wright

2010: Menciones especiales

2011-01-11T05:00:00.005-06:00

La sátira consumista, la tragedia carcelaria, la féerica autorreflexiva, el satanismo neoclásico, la comedia romántica poscapitalista.

(en estricto orden alfabético)

Amor por contrato (EUA, 2009) de Derrick Borte

Celda 211 (España, 2009) de Daniel Monzón

Enredados (EUA, 2010) de Nathan Greno & Byron Howard

La reunión del diablo (EUA, 2010) de John Erick Dowdle

Up in the Air (EUA, 2009) de Jason Reitman

2010: Peores estrenos comerciales

2011-01-10T05:00:00.003-06:00

1. Niñas bien (Reino Unido, 2007) de Oliver Parker & Barnaby Thompson. ¿Qué pasa cuando la flema inglesa ultra-sangrona se encuentra con los restos putrefactos de la sexi-comedia a la mexicana en su versión fresa y sanitizada, digamos, en la onda de Niñas mal? Esto. El horror. Esta basura es la que se debió haber enlatado para siempre y no algo como Easy A. Incluye bonita moraleja: vístete como una puta y vencerás.

2. Alicia en el país maravillas (EUA, 2010) de Tim Burton. Este bodriazo metió 1,000 millones de dólares en la taquilla global. Razón suficiente para creer que cintas así de horrendas (en todos los aspectos) seguirán siendo maquiladas. El patriarca Nathaniel Rogers no lo pudo decir de mejor manera: es una flatulencia filmada. ¿El baile final de Depp? Como lo dijo un diario británico, un crimen contra el cine...y yo agregaría, contra la humanidad.

3. Machete (EUA, 2010) de Robert Rodriguez. Inepta en todos los sentidos, su mayor fracaso es que Robert Rodriguez jamás se traga el chiste que pretende que el público le crea. Filmada con una solemnidad inaudita, lejos de volverla la gran cinta serie Z, divertida y destornillada, que debió haber sido, revela su verdadera esencia: una ocurrente sangronada insufrible. Que alguien le regale un sentido del humor al buen Rodri.

4. La teta asustada (Perú, 2009) de Claudia Llosa. Tiene cada uno de los clichés y estereotipos que le gusta ver a Europa en el cine festivalero tercermundista. Muchas felicidades a Claudia Llosa por su Oso (en más un sentido) de Oro. Tanto sabor exótico y misticoide no fue en balde.

5. El asesino dentro de mí (EUA-Suecia-RU-Canadá, 2010) de Michael Winterbottom. Por lo menos fue otra confirmación de que el cine tiene sus peligros. No es lo mismo leer un pasaje ultraviolento y misógino de una novela que dotar a una escena fílmica con la misma carga de violencia y misoginia. Sin embargo, y a pesar de eso, la provocación y la transgresión nunca llegó. Sólo quedó en un romance y pasión babas entre monigotes a quienes les gustan que los nalgueen. Ajúm.

6. Viajo porque preciso, vuelvo porque te amo (Brasil, 2009) de Marcelo Gomes & Karim Anouz. Un mamotreto de kilométrico título filmado en foto fijas sobre el road trip más aburrido de la historia. Lo único bueno es que casi logro borrarla de mi memoria por completo. Una de las dos más grandes decepciones del año, considerando que la anterior cinta de Anouz, Madame Satá, está entre lo mejor que la década pasada vio.

7. Somos lo que hay (México, 2010) de Jorge Michel Grau. No sé qué sea peor. Si su estilo visual ultra-pinche o su dramaturgia telenovelera. La gente que la vendió nunca se puso de acuerdo sobre qué tenía en sus manos. Primero dijeron que era una cinta de terror gore. Luego, que siempre no, que se trataba de un "drama familiar". Si fue eso último, qué lástima. Porque su tremendismo y tono exagerado no la coloca como algo novedoso, sino como una más del montón, ahí en el panteón de Crónica de un desayuno y Ciudades oscuras. Si finalmente sí era gore...como que le faltaron huevos. Ya mejor ni hablamos del "mensaje social".

8. El infierno (México, 2010) de Luis Estrada. Sí, proveyó catarsis para los justa y enfurecidamente indignados con el nefasto régimen de Felipe Calderón y para todos los resentidos contra el panismo. Pero fuera de eso ¿hubo algo más? Me quedo perplejo ante las menciones de la película en las listas de lo mejor. Sobre todo, porque en esta nueva entrega Estrada ofrece más pan con lo mismo: una "sátira" (comillas totalmente intencionales) política de brocha gordísima, humor de carpa y el que quizás sea el ingrediente más ofensivo y lo único "novedoso" (de nuevo esas comillas): su exaltación de la dolce vita narca. Qué asco.

9. Fama (EUA, 2009) de Kevin Tanchareon. Esta la ví en un cine durante un viaje a Salt Lake City, en octubre del 2009. Sólo es justo mencionar que es tan desechable que no recuerdo absolutamente nada sobre la película. Sólo tengo el recuerdo de mi propio sufrimiento y miseria mientras la veía.

10. Hadewijch (Francia, 2009) de Bruno Dumont. Esperé esta película por cerca de 3 años. Cuando finalmente la ví, fue la decepción del 2010. Siendo fan de la obra de Dumont duele poner este ladrillo aquí, pero honor a quien honor merece y viceversa.

OTRAS MENCIONES.

Premio Spielberg a la película más manipuladora y chantajista: Toy Story 3.

Mejor comercial de Armani, versión extendida: Un profeta.

Cinta más inflada: Inception.

2010: Lista de filmes elegibles.

2011-01-09T05:00:00.000-06:00

Para películas que tuvieron su estreno entre el 1 de enero y el 31 de diciembre del 2010 y una corrida comercial de por lo menos 7 días consecutivos en una sala con admisión pagada, sin haber tenido un estreno previo en televisión abierta o restringida nacional, o formato DVD región 4, dentro de los límites del Distrito Federal y el Área Metropolitana.

ALICE IN WONDERLAND

AÑO BISIESTO

THE BLIND SIDE

CELDA 211

THE CHILDREN

THE CRAZIES

CRAZY HEART

DEAR JOHN

DESPICABLE ME

DEVIL

IL DIVO

AN EDUCATION

THE EXPENDABLES

FAME

THE GHOST WRITER

HACHIKO: A DOG'S STORY

HADEWIJCH

HARRY POTTER AND THE DEATHLY HALLOWS, PART I

LA HORDE

HOW TO TRAIN YOUR DRAGON

HUNGER

THE HURT LOCKER

INCEPTION

EL INFIERNO

IRON MAN 2

THE JONESES

THE KILLER INSIDE ME

KNIGHT AND DAY

LES SEPT JOURS DU TALION

LETTERS TO JULIET

MACHETE

THE MESSENGER

MOON

NANNY MCPHEE AND THE BING BANG

PARANORMAL ACTIVITY 2

PIRANHA 3D

PRECIOUS

PREDATORS

UN PROPHETE

REGRESA

RICKY

SCOTT PILGRIM VS THE WORLD

EL SECRETO DE SUS OJOS

A SERIOUS MAN

THE SOCIAL NETWORK

SOMOS LO QUE HAY

ST TRINIAN'S

TANGLED

LA TETA ASUSTADA

THIRST

THE TOWN

TOY STORY 3

UNTHINKABLE

UP IN THE AIR

VALENTINE'S DAY

VIAJO PORQUE PRECISO, VOLTO PORQUE TE AMO

VINCERE

EL VUELCO DEL CANGREJO

WAITING FOR "SUPERMAN"

WHERE THE WILD THINGS ARE

ZOMBIELAND

Calendario de cierre del año fílmico

2010-12-10T08:32:00.004-06:00

LISTA DE FILMES ELEGIBLES. Domingo 9 de enero @ 5:00 AM.
PEORES ESTRENOS COMERCIALES. Lunes 10 de enero @ 5:00 AM.
MENCIONES ESPECIALES. Martes 11 de enero @ 5:00 AM.
MENCIONES HONORÍFICAS. Miércoles 12 de enero @ 5:00 AM.
MEJORES ESTRENOS COMERCIALES (Top 10 películas del año). Jueves 13 de enero @ 5:00 AM.

Scott Pilgrim vs the World (2010)

2010-11-29T02:00:00.005-06:00

a Saúl Baas Bolio

El onirismo videogamer

En Scott Pilgrim vs the World (EU-Canadá-RU, 2010), largometraje 4 del británico ya experto en cultura pop juvenil saliendo de su zona de confort paródica y con problemas muy serios con la Universal por el resultado final de la cinta Edgar Wright (El desesperar de los muertos 2004, Hot Fuzz 2007), con guión suyo y de Michael Bacall sobre la magnífica novela gráfica homónima de Brian O’Malley, el joven de 23 años Scott Pilgrim (Michael Cera) deberá enfrentarse a mortales duelos en contra de los 7 ex novios malvados de Ramona Flowers (Mary-Elizabeth Winstead) para poder conseguir su amor, aunque en el camino deba destrozarle el corazón a la entusiasta diecisieteañera Knives Chau (Ellen Wong) y poner en riesgo el ascenso de su banda rockera de amigos, los Sex Bob-ombs, hacia la final de la batalla de las bandas.

El onirismo videogamer es el frenético delirio visionario trabajado a mil por segundo y de la manera más posmoderna posible (en un tiempo en que la posmodernidad ya resulta más que anacrónica), que bien podría estar soñando el mismo Edgar Wright durmiendo en el sillón de su depto tras haberse chutado de un sentón todos los volúmenes de la novela gráfica, o un joven geek recién llegado de una fiesta pos-punk al borde de una resaca marca diablo que se desploma de sueño en el colchón de su cuchitril (como se había desplomado ya Naomi Watts con otro tipo de cruda sobre la almohada en el prólogo de esa obra maestra absoluta Mullholand Dr.), o un oficinista que se quedó dormido en su escritorio justo después del almuerzo.

El onirismo videogamer despliega sin piedad ni miedo al ridículo su desquiciado dispositivo de la forma fílmica extrema (al mismo nivel de otras obras tan extremas como Hambre o Los siete días del Talión aunque en el exacto opuesto de registro y tono), muy deudor de las fantasías multicolor reventadas del Meteoro de los hermanos Wachowski, aunque por fortuna sin la idiotizante puerilidad cretina de aquellos, para armar una película que se sale de madre sin pedir permiso alguno y plasmar implacablemente todos los guiños estilísticos tanto de la novela gráfica como de gran parte de la estética de los videojuegos de la década de los 90s, como si la pantalla de cine hubiera mutado en una pantalla de computadora, donde el plano se satura a punto de desbordarse de detalles imposibles de notar completamente en una sola mirada, tal como lo hiciera premonitoriamente el Peter Greenaway de Las maletas de Tulse Luper: La historia de Moab.

El onirismo videogamer sostiene hábilmente una gran fantasía húmeda romántica, muy a pesar del pésimo casting de Mary-Elizabeth Winstead como Ramona Flowers, la tontería de poner al nulo Michael Cera (sin carisma, ni fuerza histriónica, ni sentido del humor, ni presencia actoral: todo un ni-ni) como el asombroso Scott Pilgrim (uno de los personajes más fuertes para cómic jamás creados) y la anulación alevosa de personajes secundarios tan chingones en la novela gráfica como Stephen Stills y Kim Pine, dejando en evidencia que para sobrevivir la anquilosada comedia romántica hollywoodense en su estado puro necesitará combinarse con otros géneros, ya el cine de terror (Zombieland) o el cine de cómics.

El onirismo videogamer desborda su mundo autónomo a través de una magna comedia juvenil, estructurada como un musical sin musicales donde la narración se detiene momentáneamente para presentar las 7 peleas con los malvados ex-novios, en palabras del propio Wright; una comedia descabellada y desatada, referencial e intertextual a rabiar pero impecablemente graciosa y divertida (cada vez más escasas en el Hollywood de ahora), como sólo pueden ser en estos tiempos las comedias respetables que deseen hacer desmayar / orinarse al respetable a carcajadas.

Y el onirismo videogamer se ha dedicado a integrar con aplomo cada floritura de estilo, cada arrebato de su espacio audiovisual, cada desplante caprichoso que invade el plano (o se sale de él), en un flujo constante de la conciencia (¿o incosciente?) de quien resulte el héroe-generador del visionado, para erigirse como un vibrante himno rockero posfílmico al amor, tanto al propio como al que se siente por aquella chica que literalmente invadió tus sueños.

24 cuadros de terror (2008)

2010-11-11T08:53:00.002-06:00

Hoy Christian González, recibe la medalla por 25 de años de carrera fílmica, por parte de la Sociedad de Directores, en los Estudios Churubusco. Como pequeño homenaje a su persona y a una de las mejores cintas mexicanas de los últimos tiempos, publicamos esta reseña de 24 cuadros de terror.

El cine de horror erotizado

Es como si en una olla de presión hubieran puesto la cinefilia obsedente de Cigarrette Burns, el episodio de John Carpenter para la serie Masters of Horror, la crueldad hipermisógina de Imprint, el episodio del demente Takashi Miike para la misma serie, pizquitas de Lynch, Cronenberg, y Argento, restos del erotómano juego de espejos autofágico del demonlover de Oliver Assayas (ya decantado en un largo previo de González, Shibari) y sobre todo, una delirante revisión al tan poco frecuentado subgénero de cine de fantasmitas a la Mexicana, con El fantasma del convento de Fernando de Fuentes a la cabeza. Dentro de este explosivo cocktail de referencias fílmicas se va armar una película por completo fucked up, como pocas ha dado nuestra cinematografía en su historia, no sólo de impecable estilo visual sino también propositivo.

24 cuadros de terror (México, 2008), del tuxpeño hiperprolífico videohomero chafita medio pornocho pero cineasta industrial exquisito en plan de autor total Christian González (Shibari 02 y Café estrés 05, además de medio centenar de cintas para videohome entre las que se incluyen Sí traficarás 05 Sí desearás la mujer de tu narco 05 y La Mataviejitas 06), es un formidable ejemplar del cine de horror más depurado que no se veía desde ¿Taboada?, un cinefílico e inteligente objeto fílmico pleno de referencias cruzadas a los maestros del género de ayer y hoy, un dignísimo y sensacional gorefest que no retrocede ante sus acuchillamientos, sus decapitaciones en primerísimo plano, sus sofocamientos dentro de la metapelícula snuff dentro de la película, un cuento de terror alevosamente erotizado, un visionario delirio alrededor de la posesión demoníaca y las consecuencias en su perpetuación del crimen.

Mientras la mayoría de los maquiladores de churros de terror mexicano en la tardía resurrección del género, iniciada a punto de terminar la década, han elegido siempre el estilo visual más pinche (motivados sin duda por Cañitas de Julio César Estrada y sus penumbras chafísimas que nada permiten ver), González elige para su filme una explosiva paleta multicolor, inclusive de noche, con sus obsesivos juegos de luces y sombras, siempre plasticistas, para crear ambientes sensuales a rabiar.

Una vez creado esos ambientes, González elige actores y actrices de presencia indiscutible, de belleza extraña e inquietante, como lo es Ana Cioccetti encarnando a un par de Mellizas Fantasmas que "apuñalaron su sexo hasta morir"; Mellizas Fantasmas, una trigueña y una güera, aunque las dos regordetitas y cachetonas "para que haya de donde agarrar" como diría Leonardo Curzio. Dos galanes de telenovela (Gerardo Murguía, Rafael Amaya) para retorcidamente encarnar al par de asesinos Lady Killers. En el caso de Murguía es notoria que su habitual inexpresividad se adecua a la perfección con la frialdad sádica y seductora del personaje, insólitamente parecido al personaje real evocado en el magnífico documental de Yulene Olaizola Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo, sólo que en clave de una fantasía erotanática . Y en el centro de todos se coloca Gilda (Pamela Trueba), la cachondona editora de largometrajes convocada por uno de los asesinos para la edición del filme snuff, mezcla de vulnerabilidad y tenacidad, de astucia e ingenuidad, a la que le cambian la ropa cada día (¿o era cada hora?) a manera de recreación excitante de la época vivida por el asesino en serie.

Y para finalizar, agregue la autoburla ("Esta será la película más terrorífica que jamás se haya hecho") y un distanciamiento dramático más que bienvenido (esas escenas metateatrales con los fantasmas celosos de las damas asesinadas jalándole los pies a Gilda) que sólo magnifica lo perturbador de la trama. 24 cuadros de terror o el mejor film de horror mexicano de la década, destinado al salón de los clásicos o al de culto.

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24 cuadros de terror 8

Año bisiesto (2010)

2010-11-08T04:00:00.002-06:00

Algunos críticos se apresuraron a tachar a Año bisiesto y sobre todo a Michael Rowe como un imitador barato del tipo de cine que Carlos Reygadas y su principal alumno, Amat Escalante, hicieran tan famoso en festivales de gran parte del orbe. Una de las críticas más duras hacia la cinta la llamó “un porno esnob sin sexo”. Para la desgracia de ellos, un análisis más detallado de la cinta lleva a encontrar diferencias esenciales con el cine del eje Reygadas-Escalante-Eimbcke y las no pocas virtudes de esta interesante, intrigante y finalmente sí, herética, ópera prima del cine mexicano, como siguen.

Para empezar, Año bisiesto tiene algo que jamás se ha visto en una cinta del citado triunvirato del cine mexicano: sentido del humor. Toda una anomalía: a un solo tiempo es una cinta profundamente cómica y eminentemente triste. Pocas escenas más dolientes como cuando Laura (Mónica del Carmen en una actuación colosal y con los ojos más expresivos del cine mexicano en años) prepara todo para lo que podría ser su muerte a manos de su ¿amado? Arturo (Gustavo Sánchez Parra).

Año bisiesto tiene algo que tampoco se ha visto en los territorios de Reygadas-Escalante: un ritmo narrativo impecable. La cinta es increíblemente fluida y sorprende que Rowe utilice en ocasiones planos muy cortos, aún más que los de otra cinta trabajada casi exclusivamente a puro plano fijo, la hollywoodense Actividad paranormal 2. Aún más: Rowe no deja a sus personajes abandonados en el plano durante minutos y minutos de silencio apantallapendejos. Parece ser que Rowe no sólo está consciente del poder expresivo del plano sino también del poder que tiene la palabra hablada: una interesante re-valoración del diálogo que no se había visto en el cine mexicano desde las detestadas (no por quien esto escribe) cintas de Alan Coton.

Año bisiesto se distancia así mismo del sub-género citado por una característica especial: es sensual y es sexual. Por cierto, hay buenas noticias. El cine mexicano ya no necesita de alegorías poéticas en la vena de Adán y Eva (todavía) o juegos meta-literarios a lo Shibari, De nudos y desnudos para hablar de sus fantasías sadomasoquistas más duras, al realizarlas ahora de frente y sin tapujos.

Llena de gags muy efectivos y detalles coquetos, erigiendo uno de los personajes más complejos e intrigantes del cine mexicano en mucho tiempo (personaje al que la película jamás trata con desprecio o saña, “como cucaracha” dijeron otros), Año bisiesto comete una herejía que vendrá por otro lado. Volver entrañable, tierna y finalmente conmovedora una relación abiertamente sadomasoquista y posiblemente destructiva, para dejar a sus dos amantes en el mismo estadio taciturno y nostálgico de los dos freaks de Párpados azules. Rowe no tiene pierde: qué bonita le quedó esta comedia romántica sobre dos sadomasoquistas.

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Año bisiesto 9

Actividad paranormal 2 (2010)

2010-10-24T17:55:00.007-05:00

"Actividad paranormal 2 es la película de terror que Béla Tarr nunca ha dirigido"

Hay una escena hacia el desenlace de Actividad paranormal 2 (Paranormal Activity 2, EUA, 2010), en donde uno de los protagonistas se encuentra reposando y viendo el televisor en el sillón de su casa. De pronto, entra en la profundidad de campo del encuadre otro personaje clave y por un momento, uno piensa, por tres segundos, que todo se trata de una alucinación o la imaginación del personaje del sofá, antes de que el intertítulo con el cronómetro imparable le dé la cachetada al espectador de que no sea inepto y recuerde que está viendo un flujo de imágenes que procede de una grabación de seguridad y por lo tanto, no hay espacio en esta narración para la externalización de la vida interior, mucho menos para fantasías o alucinaciones en estas imágenes “objetivas”. Es tan sólo uno de los síntomas de la severidad de la propuesta de Actividad paranormal 2, una propuesta con que la película se compromete audazmente hasta llegar a sus últimas consecuencias.

La segunda parte de la muy exitosa cinta homónima de terror del año pasado, Actividad paranormal 2, de Tod Williams, es un brillante objeto teórico sobre el poder del plano cinematográfico y del encuadre al que no le da nada de miedo sostener a ambos a duraciones masoquistamente imposibles, una valiente cinta de terror que no retrocede ante la luz del día (como ya lo era la fantasía turística-gore Las ruinas, aunque en las antípodas del registro visceral de aquella), una tensa provocación metafísica que ataca precisamente a un jefe de familia escéptico (¿ateo, agnóstico?) con toda la ira destructiva de un demonio innombrable e inmostrable en el que irónicamente deberá acabar creyendo aquel para salvar a su familia, una actualización completamente siglo XXI de un satanismo fílmico apenas velado y sugerido aunque de posesiones y efectos contundentes.

A mayor presupuesto, más pulidos efectos especiales. Curiosamente, en esta segunda parte se cambia lo sutil de la primera cinta hecha con 2 dólares, por lo desquiciado. Las ventajas de contar con un presupuesto ya millonario, por supuesto. Y con los riesgos consabidos, la película sale bien librada. Incluso con lo descabellado y risible de ciertas escenas (viene a la mente cierto momento de levitación de un infante y cuando la madre de él es arrastrada por la escalera, hacia abajo), es por la mesura de sus planos fijos y por un estilo histriónico naturalista (o no-histriónico, según sea el caso) de sus estupendos actores provenientes del mejor indie norteamericano, así como por una banda sonora que prescinde por completo de la música extra-diegética o diegética, que dichas escenas se alejan de lo gracioso o la parodia para quedar plasmadas como lo que todo director busca en una película de terror: imágenes aterradoras o simplemente espantosas

Cajas chinas, muñecas rusas. Es sorprendente la manera en que esta segunda parte, devora a la primera como si se tratara de una caja china o una muñeca rusa. Ni secuela ni precuela propiamente dicha, sino un elegante e inteligente dispositivo narrativo que amplía los acontecimientos de la primera, cual onda expansiva o filme fractal.

Y el más duro, pesimista y desesperanzador final abierto de una película hollywoodense en años, acaba siendo perversamente aterrador no tanto por sus explicaciones, sino, con la mayor inteligencia fílmica posible dentro de su reventado (y gastado) sub-género, por sus implicaciones, antes de mandar todo de guillotinazo a un terrorífico fundido en negros a lo Michael Haneke, con el más escalofriante, sepulcral (¿y ceremonial?) de los silencios.

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Paranormal Activity 2 8

Cumbia callera (2007)

2010-09-16T22:01:00.005-05:00

El director y el elenco de Cumbia callera

Los regios cholos

Es simplemente una cuestión de expresividad. Un plano de Cumbia callera vale más que todo Arráncamela, vida (Sneider, 08). Una mueca pos-neorrealista del no-actor Andul Zambrano interpretando a El Güipirí vale más que toda la actuación de Giménez Cacho. Una sonrisa de la morenaza de fuego Fernanda García vale más que casi todo el elenco femenino de relleno en la adaptación de la novela de la Mastreta. Las dos desenfadadas cogidas que consuman el triángulo amoroso de esta historia están más sexualmente cargadas que la pasión adulterada de Catalina por su pianista babas.

La tardía aunque por completo apasionante ópera prima deRené U. Villarreal, Cumbia callera (México, 2007), es un musical en que los protagonistas no cantan ¡ni dialogan! en donde sus canciones nunca interrumpen el flujo narrativo, un milagro anómalo de poderosa expresividad, una sensual explosión multicolor que retrata inmejorablemente una zona y una cultura local desconocida para casi todo el país, el "gran filme sobre cultura juvenil" que ya nos hacía falta aunque sea tan regionalista, un romance volcado sobre un triángulo amoroso nunca sórdido, ni tremendista pero sí permisivo y hasta gozosamente libertino, una obra maestra del extinto cine popular para hacer correr despavoridos a los esnobs más aguerridos aunque ya haya triunfado con contundencia en los festivales de Moscú, Santa Cruz y San Juan de la Luz.

Cumbia callera o la copla rediviva. Curiosamente como musical no tiene sus raíces en la opereta europea, como la mayor parte del cine musical hollywoodense y el teatro de Broadway, sino en la tradición del corrido y la copla mexicana; las canciones nunca son entonadas por los protagonistas aunque son una exposición exacta de sus motivaciones y sus sentimientos, un comentario sobre la trama nunca al margen, puesto que la falta de diálogos se compensa por las estupendas canciones que son monólogos internos.

Cumbia callera o la pasión febril. Este triángulo amoroso formado por La Cori (Fernanda García), El Güipirí (Andul Zambrano) y El Neto (Mario Cantú, el cieguito de Así) parte de las pulsiones más elementales y nunca se torna sensacionalista ni cretino, más se respira dentro de él una excelente observación de las formas en que la juventud mexicana modelo siglo XXI se relaciona entre sí. Una película que no le tiene miedo alguno a la embriaguez por placer sexual ni a sus consecuencias no siempre alegres, a años luz de una basura tan apanicada de la sensualidad como Pamela por amor (Rodolfo Galindo, 08)

Cumbia callera o la frescura vital. He aquí una brillante película de jóvenes para jóvenes sobre jóvenes, insólitamente dirigida por un cincuentón, que es baile fresco y renovante que es alegría pura que es fascinación por la simple sensación de vivir y encontrar o perder el amor o volverlo a encontrar por partida doble.
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Cumbia callera 8

Surveillance (2008)

2010-09-01T08:57:00.003-05:00

El psicothriller reptante

En Vigilancia extrema (Surveillance, EUA-Canadá, 2008), segundo filme de Jennifer Lynch, los agentes del FBI Elizabeth Anderson (Julia Ormond mutante) y Sam Hallaway (Bill Pullman bestialmente sobreactuado) se dedican arduamente a investigar un incidente perpetrado en la carretera por una banda de asesinos seriales, en donde sobrevivieron el repulsivo policía abusivo Jack Bennet (Kent Harper), la drogadicta Bobbi Prescott (Pell James) y la niñita poco impresionable Stephanie (Ryan Simpkins hermética sensacional), hasta dar con la verdad no importando las consecuencias.

El psicothriller reptante recurre a segmentos en los que la realidad subjetiva (lo que está contando el testigo) y la realidad objetiva se escinden, aunque sin utilizar los mecanismos surrealistas de David Lynch; segmentos perfectamente ordenados y embonados, desprovistos de truculencia para mejor llamar a los fantasmas de la desquiciada violencia homicida, irracional a rabiar

El psicothriller reptante perturba de manera ejemplar con su ritmo deliberadamente moroso, en que la superficie parece estar mucho más trastornada que lo que se esconde en el fondo, lográndolo con saña y alevosía a través de la suma de hechos y detalles cada vez más macabros: fragmentada secuencia de créditos con explícito asesinato gore, horrendas máscaras de los psicópatas en big close-up remitentes por supuesto a la fundacional obra maestra Masacre en cadena (Hooper, 74), abundancia de espacios desérticos y carreteras malditas según el Desperation de Stephen King para hacer explícito el horror existencial, galería de personajes grotescos y vomitivos cada vez más desquiciados, sorprendentes virajes de la ficción, violación necrófila a ritmo de pop, etcétera.

Y el psicothriller reptante invoca una vez más el tema de los Amantes Malditos que iniciara en Bonnie y Clyde (Penn, 67), como una gran provocación erotanática, quizás la única provocación posible para una época en que todos los tabúes ya se han roto, trabajada como una fábula amoral fuera de control que también es un perverso y eminentemente grimmeano “cuento sobre las brujas”, en palabras de la misma Jennifer Lynch.

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Surveillance 8

Un profeta (2009)

2010-08-11T05:00:00.003-05:00

EXCLUSIONES

Como todo el cine de Jacques Audiard, Un profeta (Un prohète, Francia, 2009) es una cinta dispersa y cerebral. Sin embargo, esta vez es evidente la incompatibilidad entre su vocación eminentemente realista y sus numerosas pretensiones de ser un objeto fílmico ‘cool’

Audiard, autor de dos grandes thrillers del cine galo contemporáneo, siempre se ha distinguido por realizar cine parco y cerebral, al que no le da miedo internarse en juegos genéricos y referenciales y textuales. Es digna de subrayarse su obsesión por los grandes autores hollywoodenses de los 70s, principalmente por el impetuoso joven Scorsese, obsesión que llevaría hasta sus últimas consecuencias en su remake de Fingers (James Toback, 1978), El latido de mi corazón.

Un profeta ansía transitar por los mismos caminos, pero no lo logra, porque su vena realista y sus aspiraciones tan obvias de conseguir lo ‘cool’ (anti-héroe guapo, fornido y carismático de minoría racial cual modelo Armani, banda sonora con toques orquestales y roqueros por igual, sobria cámara en mano, entre muchas otras) nunca se empatan. Ya no se diga su pretensión de erigir nuevas mitologías fílmicas. En el fondo, vale decirlo, el naturalismo y la búsqueda de lo 'cool' son incompatibles. Lo ‘cool’ exige distanciamiento del objeto fílmico, algo que nos recuerde constantemente que lo que estamos viendo es una película. Es entonces cuando el relato puede ser codificado al interior de los géneros fílmicos y se abre la posibilidad de los juegos textuales y referenciales. ¿Cómo lograr ese distanciamiento necesario con tan naturalista puesta en escena?

Peor aún, ¿cómo no aburrirse y salir cansado de una película de 155 minutos a la que le faltó estructura y que queda como mera cine-ilustración de un argumento competente? ¿Cómo?

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Un prophète 7

Lake Tahoe (2008)

2010-08-09T08:42:00.006-05:00

El bucle estático

En Lake Tahoe (México, 2008), inflado segundo largometraje de Fernando Eimbcke, todo ocurre en un bucle estático, en una “repetición sin variación”, en una “inmovilidad en perpetuo flujo sin reflujo”, cargada de signos de “atascamiento y sofocación” por doquier. Un solo recurso expresivo – y solamente uno – será usado conscientemente dentro del filme, incapaz por supuesto de sostener los 82 minutos que se vuelven absolutamente inaguantables, soporíferos, eternos.

Dicho recurso es el plano fijo inmóvil. Plano fijo-director de una sola nota (lo mismo le pasó a Julián Hernández en El cielo abusivo aunque con otro recurso), plano fijo-abuso hasta la tortura porque no se saben de otra, plano fijo-mala asimilación de las influencias telegrafiadas a todo momento porque qué chido es ser referencial y esas ondas locochonas. Todo bajo una lógica de homenaje (¿saqueo?) tropicalizado a Ozu y Jarmusch. Los planos fijos fragmentan los cuerpos de los actores a lo Ozu ¿y qué? Se sobreutilizan los cortes a negro a lo Jarmusch sin hacer uso de la elipsis ¿y qué? Hay un humor dizque seco y absurdo a lo Wes Anderson ¿y qué?

Cuando la cinta sale de ese marasmo nada hipnótico ni fascinante, se entrega a las pésimas no-actuaciones de no-actores, tan lamentables e histéricas y de pena ajena como de cualquier culebrón (hasta por ahí se echan un “Puta madre”, bien impostado, como nos gustan) y en algunos momentos profiriendo frases dizque profunditas hasta que, lógico, la cinta remata con la explicación ¡del título de sí misma! y tan tan. El enésimo retrato del Tedio, la Obviedad y el Hastío de un Adolescente (así, todo con mayúsculas) por fortuna y para regocijo de los espectadores que roncaban a sus anchas en la sala, ha finalizado.

Lake Tahoe es vanguardia pura…pero de hace 30 años.

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Lake Tahoe 6

Bolt (2008)

2010-08-02T08:25:00.001-05:00

Siguiendo la nueva tendencia de los estudios Disney de fabricar fantasías infantiles (que no pueriles) para adultos, después de su power combo-pack del 2007 integrado por Meet the Robinsons y Encantada, Bolt constituye al mismo tiempo una fina parodia del action film hollywoodense de principios de este siglo y una comedia autoconsciente que hace del guiño irónico impetuoso su mejor arma. La mayoría de los adultos entenderán y reirán a gusto con los chistes de la película, mientras que los pequeños solamente pasarán un buen rato. Al igual que los otros dos filmes aquí mencionados.

Lo que llama la atención de esta parodia que hace del action film, es cuánto se aleja de la línea dominante del género en el Hollywood de principios de siglo. Dicho canon indica que mientras más rápido sea el corte en la edición, supuestamente más vertiginosa será la acción retratada. La serie Bourne maniáticamente abusó del recurso hasta llegar a un corte cada .5 segundos pero la nueva película de James Bond, Quantum of Solace, se voló la barda al llegar a un corte cada .33 segundos en las secuencias más “intensas”. Este tic lo único que provoca es volver a las acciones (que en sí mismas pueden llegar a ser vertiginosos sin necesidad de esos cortes maniáticos) confusas hasta lo ilegible.

Otra maña que dicta el canon del action film de principios de siglo, es la de que no sólo los personajes y los objetos se tienen que agarrar a guamazos dentro de un plano sino también la cámara lo tiene que hacer. De ahí la necesidad de agitar la cámara a todo momento, venga o no al caso.

De tal manera que alejándose de tales tendencias, los planos de las magníficas escenas de acción en Bolt son largos y la cámara permanece fija (aunque no inmóvil) la mayor parte del tiempo, revalorando el poder expresivo que tiene el track lateral o frontal para que las acciones tengan intensidad por sí mismas. Se retratan las mismas acciones que se verían en cualquier blockbuster firmado por Michael Bay o compañía, pero desde la distancia que suponen los planos largos y el movimiento mesurado y fluido de la cámara, lo que curiosamente sublima el vértigo y la intensidad de dichas acciones.

El escenario de la vida detrás de un show de televisión dentro de una película también permite crear un tipo de relato que se despliega inmejorablemente sólo en el cine. El relato autoconsciente, un tipo de ficción que piensa sobre sí mismo a cada momento. De ahí que la avalancha de guiños irónicos y referenciales haga reflexionar cómicamente a la película sobre las convenciones del género del action film. La idealización del héroe Bolt se va desmontando a medida que cada uno de los clichés y estereotipos del género al que pertenece el show de televisión van cayendo, enfrentados a la “vida auténtica”, al interior de un diseño animado de producción tan realista, que espanta.

Tiene razón José Celso en su magnífica reseña sobre la película. La pregunta práctica que permea la moraleja de Bolt no es poca cosa: “¿Es mejor una vida agradable o una vida auténtica, aunque duela?” que se une con la siguiente verdad emocional, también de Celso. “no somos especiales por cuanto nos quieren los demás, somos especiales por cuanto estamos nosotros dispuestos a querer”.

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BOLT 8

Día de los enamorados (2010)

2010-07-26T20:02:00.006-05:00

Lo mejor de Día de los enamorados (Valentine's Day, EUA, 2010), de Garry Marshall, es el saqueo que el veterano director de chick flicks comete intempestivamente a la narrativa de vidas cruzadas a lo Robert Altman. De ahí que la película mantenga una fluidez pocas veces vista en la cada vez más anquilosada comedia estadunidense contemporánea, particularmente el subgénero romántico. Se nota el buen oficio artesanal del Marshall, en una cinta que constituye su ópera summa, un portento de sentimentalismo facilón y cursilería a raudales, por primera vez envuelta en honestidad y verdades emocionales y sin vocación sermoneante o de cuento de hadas.

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Valentine's Day 7

Paula Astorga a la Cineteca Nacional

2010-06-18T09:49:00.003-05:00

Información confirmada coloca a Paula Astorga como la nueva Directora General de la Cineteca Nacional, en sustitución del cinecrítico Leonardo García Tsao. Le deseamos todo el éxito del mundo a la creadora del festival más diverso e incluyente del país, hasta que una mafia se apoderara de él el año pasado y Grupo Larrea se encargara de darle en la madre finalmente este 2010. Decir que estamos entusiasmados es poco.

Niñas bien (2007)

2010-06-14T05:00:00.000-05:00

Hay de churros a churros. Niñas bien (Saint Trinian's, Reino Unido, 2007) cree estar armando una comedia adolescente entre desmadrosa y transgresora...pero con esquemas gastadísimos de la comedia guarra que manejara el cine mexicano de los 70's y 80s y el estadunidense de los 90's y los 2000's. Y es que ¿a quién le podría interesar el destino de este sangrón internado para sangronas?

Gags poco inspirados y estereotipos anquilosados completan el cuadro de un cine de puntada y de la ocurrencia más improvisada, jamás chispeante ni gracioso, que hace parecer a Niñas mal (2007, Sariñana) como una obra maestra de Preston Sturges o Frank Capra y en el que la mayor moraleja es que no se puede ser más cool que vistiéndose de piruja.

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Saint Trinian's 5

Del archivo: High School Musical 3 (2008)

2010-04-28T04:00:00.000-05:00

Quiero vomitar

EL TEATRO ESCOLAR FILMADO

Era cuestión de tiempo para que el equipo creativo detrás de la saga High School Musical (EUA, 2006-2008) se tragara el cuento de que sí, son un fenómeno mundial y qué chingones son por ello. El resultado es esta grandilocuente plasta conceptual de, ahora sí, un metamusical trabajado en el taller de teatro de la preparatoria East High que tratará de dar cuenta y comentar la trama principal, La Graduación del título, siempre en el más pavoroso y de inmediato desechable anti-cine.

Si algo tenían las cintas anteriores de la serie, filmes exclusivamente hechos para el canal de cable de la poderosa Disney, es que los números musicales mostraban coreografías energéticas, explosivas, profundamente imaginativas. No sólo eso sino que estaban estupendamente montados y tijereados, siempre tomando en cuenta la cámara, en asombrosos planos secuencia antivideocliperos, precisos casi hasta la obsesión.

Es una mentada de madre que nada de eso quede aquí, en esta tercera entrega. Nada más un regusto por tijerear a lo bestia, sin ritmo ni cadencia, venga o no a cuento, sirva o no a las pésimas canciones por completo olvidables que fueron escritas en esta ocasión, en que cada número musical se vuelve una tortura, especialmente esos solos que nada dicen pero alargan y alargan y alargan y alargan la película hasta llegar a eternos insoportables soporíferos 113 minutos.

Con la película desprovista de esa espectacularidad de los números musicales con la creencia de que mientras más grande tenga el set y más luces pongan ya la hicieron, sólo queda una trama por completo cretina en la que todos buscan su destino en la vida y quedan marcados de por vida por la elección que harán de su universidad. Troy Bolton (Zac Effron en su eterna pose de californiana operada, según Guillermo Eduardo) todavía se debate en el Arte y el Deporte y los demás cantan canciones sobre sus sueños (zzzz). Eso sí, al abandonar lo cinemático espectacular del musical también queda un discurso ideológico perverso, tremendamente aleccionador casi propagandístico, sobre la importancia a como dé lugar del éxito y sobre el tener cero tolerancia para el fracaso, como bien han advertido los atentos espectadores europeos, en donde no cabe espacio para el diferente o para el "looser", para alguien que no tiene lugar en el organigrama social de las tribus preparatorianas que son símbolo de éxito y estatus, para los parias que germinarán en ángeles exterminadores de las Columbines y Virgina Techs del futuro, pues.

La ridículez resulta en verdad alarmante en el número musical final, rozando niveles de otro bodrio coreografiado por Kenny Ortega, la infame Xanadú, con los chicos y chicas ataviados en togas y birretes, no dándose cuenta de lo imbéciles que se ven manoteando con ese atuendo esas coreografías de pena ajena.

El último plano de High School Musical 3: La graduación devela qué tan complaciente es este subproducto: ese último plano es una reproducción exacta del póster de la primera película.

La cagaron y gacho.

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High School Musical 3: Senior Year

¡Quiero ver esta madre!

2010-04-27T05:00:00.000-05:00

¿Para cuándo veremos All About Evil, la primera película de terror dirigida por un drag-queen? La película tiene su estreno mundial en San Francisco, el sábado 1 de mayo, como parte de su Festival de cine.

El sitio oficial acá.

La página de la IMDb, con una muy buena galería de fotos acá.

Alicia en el País de las Maravillas (2010)

2010-04-26T05:00:00.003-05:00

pinches mamadas

Al cine mexicano de hace ya un par de décadas se le critica sin piedad el que tenga como cimiento estético el brutalismo: la exaltación de la fealdad como única posibilidad de desplegar la creación artística. No se puede tener un doble estándar: se tiene que ser igual de despiadado con una producto hollywoodense de la calaña del infumable churro de Tim Burton, Alicia en el País de las Maravillas, sin duda una de las películas más horrendas jamás filmadas.

Atendiendo a esa modita de saturar todo con efectos CGI sorprendentes, pero por pinches, el filme puede hacer alarde de una digitalizada dirección de arte feísima y falsa, que jamás envuelve al espectador ni lo transporta a esa suerte de Tierra de Oz / Narnia bastarda que es la Underland. Al igual que otro bodrio, el Avatar de Cameron, se cree que el llenar la pantalla con un sinnúmero de efectos lucidores pero horribles y nada discretos basta para crear una película ya no se diga coherente, sino por lo menos entretenida.

Pero el pecado mayúsculo de esta cosa es, comos se ha mencionado en otros sitios, el volver ilógico lo lógico y destrozar la narrativa caótica e incoherente de los libros de Lewis Caroll sobre Alicia. Mamonamente, cada cosa que ocurre en la Underland debe tener una correspondencia con una sociedad victoriana llena de estereotipos sobadísimos. Así, todo el filme será una aventura de doble crecimiento: Alicia aprenderá a vencer a los monstruos de la Underland y a ser una mujer independiente en la apretada y convencional sociedad victoriana. Qué hueva.

El Premio Pena Ajena 2010: es para Johnny Depp por su horrenda actuación, particularmente por el ridículo baile que celebra la victoria de Alicia.

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Alice in Wonderland 6

Salida de CinePremiere

2010-04-23T08:53:00.004-05:00

Desde diciembre del año pasado, la directiva editorial del portal web de CinePremiere había decidido que no pagaría más a los colaboradores de los blogs "porque no hay presupuesto". Sólo hubiera agradecido un mínimo, ya no de cortesía, sino de educación, por parte del sr. César Albarrán o del sr. Sergio López, con respecto a que se me hubiera avisado desde que se tomó la decisión y no caer en la peladez de darme cuenta "solito", a fin de no andar haciendo planes de finanzas personales con dinero que no tenía.

Gracias por nada.

Este blog regresa al 100% el día lunes con la reseña de Narnia en el País de las Maravillas.

¿Por qué decir adiós a twitter?

2010-04-16T09:39:00.003-05:00

Por fin logré decirle adiós a esa feria de vanidades que es el tuiter. Sí, los tuits son pequeños (una mamada es el limitarlos a 140 caracteres) pero creedme, los egos son enormes. Perdedores sin ningún logro en la vida que se sienten todas unas div@s por tener más de 500 seguidores, gente que nunca responde a los replys y en general, mamonería al por mayor. Era como un gran muro de lamentaciones o como tirar piedras a una barda. A ver quién te escucha. Mi paciencia tiene un límite.

El verdadero reto no es idear una serie de frases ingeniosillas en 140 caracteres. Es proponerse la afición a una escritura fluida y analítica, que ni de broma se puede conseguir en esa madre. Así que meta no. 1 del 2010: retomar este blog que tantas alegrías me ha dado, y estoy seguro, me las seguirá dando. Saludos a todos y cada uno de los fieles lectores de éste, su blog de confianza.

Del archivo: Mi Oscar quiniela 2008

2010-04-12T11:48:00.001-05:00

(hacer click para hacer zoom)

Del archivo: Cloverfield (2008)

2010-04-09T09:36:00.003-05:00

El cine de monstruos hipermoderno

En Cloverfield (ídem, EUA, 2008), desolado, tensísimo y finalmente brillante ejercicio de estilo del neoyorkino Matt Reeves (capítulos de la TVserie Felicity), los amigos del jovencísimo vicepresidente de cierta compañía transnacional en vías de ser transferido a Tokio Rob Hawkins (Michael Stahl-David), serán testigos en directo de un mortífero y brutal ataque a Manhattan por una misteriosa criatura gigante: tanto Marlena Diamond (Lizzy Caplan) como Lily Ford (Jessica Lucas), el metiche documentalista improvisado que dispara la ficción fílmica con su cámara en mano Hud Platt (T.J. Miller) y el hermano de Rob, Jason (Mike Vogel), realizarán una intestina travesía límite para sobrevivir, atrapados entre el monstruo y el ejército.

El cine de monstruos hipermoderno es un impactante objeto teórico que retorna con suma inteligencia fílmica a la irritante/seductora estética del cine con cámara-protagonista que inició Cassavettes, defendió Rohmer y sistematizó el movimiento danés Dogma, y que tuvo su filme-límite hasta las últimas consecuencias en el siglo pasado con El proyecto de la bruja de Blair (Mirrick-Sánchez, 99).

El cine de monstruos hipermoderno despliega su exceso de complejidad porque "el espacio se convierte en un recipiente aislado e inerte donde el fuera de campo queda asfixiado porque siempre está pasando algo en campo" (Marie Anne Guerin el El relato cinematográfico) y además porque "la cámara, al acecho, fisgonea, flotando en el espacio como un aliento, para emprender su reanimación al hilo de las sucesivas panóramicas" (también Guerin); sólo que ahora literalmente la cámara de cine ES el aliento.

El cine de monstruos hipermoderno difumina su exceso de individualidad armando una ficción puramente subjetiva en el lindero de lo permisible (la cámara se lleva sendos madrazos y sigue y sigue y sigue y sigue grabando), donde "el argumento se basa en esa circulación incesante de la cámara que trata de organizar, mezclando flujos visuales y sonoros, un vínculo tangible y material entre la historia contada y la realidad" (otra vez Guerin), hasta plasmar puras abstracciones de las formas geométricas a la hora de la destrucción y la muerte.

El cine de monstruos hipermoderno consuma su exceso de lo mediático mediante advertencias de "Este archivo visual es propiedad del Gobierno de los Estados Unidos" así como el "Prohibido reproducir copias", una TV en colores primarios que simula el inicio/fin de la transmisión, la cámara digital omnipresente, la fecha y hora en la esquina inferior izquierda de la pantalla, los teléfonos celulares milagrosamente activos, y las pantallas de plasma al momento de la rapiña.

Y el cine de monstruos hipermoderno visualiza una excitante fantasía apocalíptica que deglute todos los miedos, paranoia, e impotencia de la devastación post 9/11 (como ya lo habían hecho Plan de vuelo, Vuelo nocturno y Serpientes a bordo; todas a bordo de un aeroplano) pero ahora a nivel masivo, para entregarse en el último minuto a un grostesco/fascinante circo sentimentalista a lo Titanic (Cameron, 97), con el Jack y la Rose que nos merecemos gritando a todo pulmón "¡Te amo!" justo antes de morir.

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Cloverfield 7

Del archivo: Slumdog Millionaire (2008)

2010-04-07T08:35:00.002-05:00

EL NEOMISERABILISMO EXOTISTA

Quentin Tarantino, David Fincher y Danny Boyle fueron algo así como la Santísima Trinidad de la Posmodernidad noventera, trabajada a la antigüita. Curiosamente la bolsa de trucos que los hizo famosos rápidamente se volvió rancia, al volverse tan influyentes para un séquito de seguidores o imitadores, y para la cultura pop en general. Tarantino, quizás el más ecléctico de ellos, ha sabido renovarse en cada cinta que le ha seguido a su Pulp Fiction, principalmente por hacerle caso a su conciencia cinéfila en las mimetizaciones de sus obsesiones personales. El insufrible Fincher, temeroso para siempre de que se le tachase como un “director de videoclips”, ha elegido la sobriedad y la contención ajena a la posmodernidad que lo catapultara al estrellato sacrobovino, aunque con resultados francamente de hueva (Zodiaco y El curioso caso de Benjamin Button parecen penitencias más que otra cosa). Y el otrora más prometedor de los tres, es el que se alzó como campeón indiscutible en la recién entrega de los Oscares, arrasando gracias a la exotista fantasía miserabilista Slumdog Millionaire.

Si México puede cinexplotar el tema de los niños de la calle, manchando a los actores de De la calle (Gerardo Tort, 2001) con tizne, ¿Por qué el Reino Unido no puede regresar a una de sus ex colonias y sumergir en mierda a uno de los tantos no-actores infantes que pululan en las barriadas lumpen de Mumbai? Así es que con la ayudadita de la misma bolsa de trucos ya anacrónica (close-up extremo, encuadres chuecotes dizque audaces, musiquita tecno posmo ahora de sabores exóticos, edición ultrafragmentada; trucos que por cierto no vuelven a la película energética sino cansina), se va a armar un filme de una cursilería y blandenguería sentimental admirable, sumergido en excremento, para solaz y entretenimiento de los espectadores occidentales, en especial para aquellos que padecen de white guilt y se laven algo de ella .

Diseñada fría y calculadoramente para presionar todos los botones correctos del público adecuado en el lugar y tiempo adecuados (8 oscares y 110 millones de dólares y contando no pueden estar equivocados ¿o sí?), no se puede negar la vocación manipuladora de la película. No importa todas las miserias por las que Jamal (Dev Patel) ha tenido que pasar, no importa toda la mierda recibida, no señor. Todo está cuidadosamente escrito en el destino (bonita manera de justificar lo implausible rebosante y el abuso inclemente de coincidencias en el filme) para que pueda contestar cada una de las preguntas que lo volverán millonario para alegría de los espectadores del show y de la película misma, para que finalmente pueda encontrar a su amada Lathika por la que suelta sin ton ni son una sarta de frases sobadísimas "como sacadas de una novela de Paulo Coelho" según Guido Castillo (nada más faltó el “amar es nunca tener que pedir perdón”).

Apelar a Dickens para la defensa de la película no es justo. Ni para Dickens ni para la película. Particularmente porque Jamal y Lathika nunca surgen ante nuestros ojos como seres de carne y hueso, sino como meras abstracciones o conceptualizaciones, vasos en los que se vierten las fantasías exotistas de los creadores. Donde en Dickens hay auténticos seres humanos en las figuras de The Artful Dodger o Mr. Scrooge, acá sólo hay una especie de monigotes. De tal manera que desprovisto del humanismo de Dickens, el prefabricado “destino” que se inventan jamás puede tener auténticas resonancias metafísicas y espirituales. Es sólo un recurso barato para justificar todas las elecciones narrativas, que piden nunca ser cuestionadas.

Al final, es claro el mensaje, con todos los habitantes de la barriada arremolinados alrededor de los aparatos de televisión como si se tratara del clímax de una película de Michael Bay: no importa la educación (porque leer una obra como Los tres mosqueteros de Dumas no es útil ¡sino para saber a las respuestas de un show de TV!), no importa que el Tercer Mundo no pueda siquiera alcanzar el nivel de subsistencia: mientras tengan Amor ¿qué más pueden pedir?

Por su insensibilidad cultural, por su prefabricado pero certero “optimismo”, por su sentimentalismo hipercalculado como sacado de cualquier manual de guiones, por su franca posmodernidad anacrónica, por ese folklore ultracool de la pobreza extrema, por su "neorrealismo mágico de postal turística" (José Abril), Slumdog Millionaire de Danny Boyle, sin problemas entra al Club de la Infamia de quien esto escribe. Su éxito a lo largo y ancho es motivo muy personal de preocupación. Que nos cojan confesados.

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Slumdog Millionaire 5

Fan de la mirada virgen

2010-04-06T16:09:00.002-05:00

Hubo un tiempo en que era mi costumbre el ver mis estrenos favoritos en una sala de cine varias veces. Creo que Chicago (Rob Marshall, 2002) la ví un número aproximado de 8 veces en el cine. The Magdalene Sisters (Peter Mullan, 2003) la he de haber visto como 5 veces. Exterminio (Danny Boyle, 2002) como 4.

Ahora ya no. Soy fan de la mirada virgen, ésa en que todas y cada una de las imágenes de una película pasan por mis ojos por vez primera. No es que haya perdido la capacidad de asombro. Es que me he vuelto tan adicto a ella, que ya no me interesa volver a revisar mis cintas favoritas una segunda o tercera vez.

A lo mejor tiene razón Alex Murillo: "la primera vez es hipnosis, la segunda es análisis". No sé si en los años venideros mi comportamiento vuelva a cambiar y a lo mejor estoy perdiendo más de lo que gano. Pero de entrada, seguiré buscando y deleitándome en la mirada virgen.

La película de abril

2010-04-06T08:49:00.003-05:00

Los niños (2008)

2010-03-16T12:01:00.003-06:00

EL CINE DE HORROR PSICOINFANTIL

El cine de horror psicoinfantil glosa con eficacia suprema y alevosía perversa, otra versión del tema de los Niños Homicidas que iniciara la pionera Children of the Damned (1964) de Anton Leader, continuara con cierta fortuna la lucrativa serie de filmes Los niños del maíz (1984-2004), y llevara a alturas insospechadas El listón blanco de Michael Haneke (2009), Palma de Oro incluida, pero ahora bajo la sobriedad que ha caracterizado la reciente ola de horror británico brutal al lado de ejemplares como Eden Lake, del año pasado.

El cine de horror psicoinfantil recurre a un ritmo deliberadamente pausado y lánguido, con tracking shots y acercamientos maniáticos, perfectos, sumamente calculados y a un montaje delirante truenacocos, que encadena con brillantez las escenas más crudas y violentas con la siguiente, para hacer estallar por elipsis la imaginación más cruenta del espectador aterrado y en shock.

Y el cine de horror psicoinfantil es un enfrentamiento crudo y salvaje entre los instintos más primitivos del hombre: el instinto de conservación, que lleva a clavarle a un infante homicida y fuera de control los restos de un vidrio que abren su cráneo, el de supervivencia, que se defiende a patadas y con rocas del ataque de los infantes psicópatas en lo profundo del bosque y el traicionero instinto maternal, que protegerá a la hijita que pudo ser abortada pero no lo fue, poniendo en riesgo su propia supervivencia, sólo para concluir la película en un perturbador final abierto.

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The Children 8

¿Ya vieron mi quiniela para el Oscar?

2010-03-05T07:21:00.002-06:00

(hacer click para hacer zoom)

Cada respuesta correcta son 1000 pesos.

Zombieland (2009)

2010-02-02T05:00:00.001-06:00

La década del zombi, que recién finalizó hace unas semanas, inició con una vigorosa y aterradora revisión al subgénero por parte del británico Danny Boyle, en Exterminio. Filme duro y cruel como pocos, era la perfecta representación del mundo postcapitalista: un mundo “sin esperanza, ni redención, ni futuro”, erigido sobre las ruinas espirituales de las Torres Gemelas y todo lo que representaban. Y si hemos de hacerle caso a Norma Lazo en El horror en el cine y la literatura, todo subgénero pasa por 4 movimientos, por lo que Exterminio es el filme que reformula el subgénero, para posteriormente dar paso a la masificación (El amanecer de los muertos), a la parodia (Shaun of the Dead) y a su deconstrucción.

Zombieland, de Ruben Fleischer, basada en un magnífico guión de Rhett Reese y Paul Warnick, cierra con honores la década del zombi, realizando la deconstrucción del subgénero. Tan deconstructiva es la película, que las reglas que rigurosamente se ha autoimpuesto Columbus (Jesse Eisenberg sensacional) son una disección de cada uno de los clichés y estereotipos que por años han permeado el cine de zombies y no sólo eso: aparecen escritas a cuadro en cada representación dramática de cada una de ellas.

El horror se vivifica en Zombieland a través de un gore inclemente, tan duro y políticamente incorrecto como pocas veces, a través de las atmósferas por igual tensas y desoladas, muy cercanas a la terrorífica Portadores, de los hermanos Pastor. La comedia, tan inventiva y desatada y libre y chispeante que ya quisieran muchos cretinos en sus comedietas hollywoodenses de medio pelo, se sostiene a través de la inteligencia y el ingenio puro de los gags, a través de situaciones descabelladas llevadas al extremo, a través de frases destornillantes, escritas expresamente para que uno se cague de la risa (“Jaja, me mata de la risa…pero no deja de ser triste”) y sobre todo, a través de su estilizado estilo histriónico, de eminente vocación neoclásica, que eleva la comedia a niveles altísimos de gracia y brillantez.

Una delirante fantasía tanática, trabajada con plasticismo multicolor y explosivo, con experto uso de la cámara lenta y montaje de enfermo perfeccionista. Poesía pura y dura o la película de zombis más hermosa de todos los tiempos.

Qué manera de decirle adiós a la década del zombi, y así, hasta la siguiente reencarnación fílmica del muerto viviente.

Los 50 filmes de la década, según Paxton

2010-01-17T16:21:00.005-06:00

revisión del 17 de enero del 2010.

1. Mulholland Dr. (David Lynch, 2001)

2. Paranoid Park (Gus van Sant, 2007)

3. Femme fatale (Brian de Palma, 2002)

4. Pasiones salvajes (Bruno Dumont, 2003)

5. Tres tiempos (Hou Hsiao-hsien, 2005)

6. La ciudad del pecado (Miller-Rodriguez-Tarantino, 2005)

7. Río místico (Clint Eastwood, 2003)

8. Dancer in the Dark (Lars von Trier, 2000)

9. Lejos del cielo (Todd Haynes, 2002)

10. El viaje de Chihiro (Hayao Miyazaki, 2001)

11. La virgen de los sicarios (Barbet Schroeder, 2000)

12. Spider (David Cronenberg, 2002)

13. Elefante (Gus van Sant, 2003)

14. Las estaciones de la vida (Kim Ki-duk, 2003)

15. Eréndira Ikikunari (Juan Mora-Catlett, 2006)

16. Mil nubes de paz (Julián Hernández, 2003)

17. Oldboy (Park Chan-wook, 2004)

18. Nuestra música (Jean-Luc Godard, 2004)

19. Madeinusa (Claudia Llosa, 2006)

20. Pasiones secretas (Jean-Claude Brisseau, 2004)

21. Golpes del destino (Clint Eastwood, 2004)

22. Crimen ferpecto (Alex de la Iglesia, 2004)

23. Hable con ella (Pedro Almodóvar, 2002)

24. Muñecas (Takeshi Kitano, 2002)

25. 8 mujeres (François Ozon, 2002)

26. Chicas pesadas (Mark Waters, 2004)

27. Standard Operating Procedure (Errol Morris, 2008)

28. Taxi al lado oscuro (Alex Gibney, 2007)

29. Up (Pete Docter-Bob Peterson, 2009)

30. Al otro lado (Natalia Almada, 2005)

31. Miss Simpatía (Donald Petrie, 2000)

32. Párpados azules (Ernesto Contreras, 2007)

33. Lost in Translation (Sofia Coppola, 2003)

34. Donnie Darko (Richard Kelly, 2001)

35. The Host (Bong Joon-ho, 2006)

36. Red Eye (Wes Craven, 2005)

37. Wendy and Lucy (Kelly Reichardt, 2008)

38. Día noche día noche (Julia Loktev, 2006)

39. La música más triste del mundo (Guy Maddin, 2003)

40. Legalmente rubia (Robert Luketic, 2001)

41. La sombra del vampiro (E. Elias Merhige, 2000)

42. Sin lugar para los débiles (Coen Bros, 2007)

43. Dueños de la noche (James Gray, 2007)

44. Si te casas…te mato (Robert Luketic, 2005)

45. Hostal (Eli Roth, 2005)

46. C.R.A.Z.Y. (Jean-Marc Vallée, 2005)

47. Satanás (Andrés Baiz, 2007)

48. The Golden Door (Emanuele Crialese, 2006)

49. Bring It On (Peyton Reed, 2000)

50. Tropa de élite (José Padhila, 2007)

2009: Mejores estrenos comeciales

2009-12-17T05:00:00.005-06:00

El duelo cósmico, el horror catártico, el antropomorfismo que se muerde la cola, la simetría anti-épica, la invocación quimérica, el onirismo infantil, la política ficción fraternal, el duelo trascendental, el duelo surrealista y la amargura romántica.

1. Las flores del cerezo (Alemania-Francia, 2008) de Doris Dörrie

2. Standard Operating Procedure (EUA, 2008) de Errol Morris

3. El fantástico sr. Zorro (EUA-Reino Unido, 2009) de Wes Anderson

4. A la orilla del cielo (Alemania-Turquía-Italia, 2007) de Fatih Akin

5. Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo (México, 2008) de Yulene Olaizola

6. Coraline (EUA, 2009) de Henry Selick

7. La visita de la banda (Israel-Francia-EUA, 2007) de Eran Kolirin

8. Cinco días sin Nora (México, 2008) de Mariana Chenillo

9. Up (EUA, 2009) de Pete Docter

10. Dos amantes (EUA, 2008) de James Gray

2009: Menciones honoríficas

2009-12-16T05:00:00.002-06:00

(en estricto orden alfabético)

Los cronocrímenes (España, 2007) de Nacho Vigalondo

De un día para otro (Francia, 2006) de Philippe Le Guay

Gran Torino (EUA, 2008) de Clint Eastwood

Surveillance (EUA-Alemania, 2008) de Jennifer Lynch

Mi vida dentro (México, 2007) de Lucía Gajá

2009: Menciones especiales

2009-12-15T05:00:00.001-06:00

(en estricto orden alfabético)

El brasiere de Emma (México, 2007) de Maryse Sistach

La era del hielo 3 (EUA, 2009) de Carlos Saldanha

Portadores (EUA, 2009) de Álex & David Pastor

Mi segunda vez (EUA, 2008) de Bart Freundlich

Star Trek (EUA, 2009) de J.J. Abrahams

2009: Documental del año

2009-12-14T05:00:00.000-06:00

Para películas que tuvieron una función en una sala de cine con admisión pagada, en cualquier localidad de México, entre el 1 de enero y el 31 de diciembre del 2009.

1. Confesiones de un sicario económico (Grecia, 2007) de Stelios Kouloglou

2. Encuentros en el fin del mundo (EUA, 2007) de Werner Herzog

3. Presunto culpable (México, 2008) de Roberto Hernández

4. Agitar las aguas (EUA, 2008) de Carl Deal & Tia Lessin

5. Remontando el Yangtsé (Canadá, 2007) de Yung Chang

2009: Peores bodrios mexicanos

2009-12-10T05:00:00.003-06:00

1. El carnaval de Sodoma (aka El bodrio de la década) de Rip

2. 7 soles de Pedro Ultreras

3. Condones.com de Mario Abraham Mancilla

4. Enemigos íntimos de Fernando Sariñana

5. Niño Fidencio: De Roma a Espinazo de Juan Farré

2009: Peores estrenos estadunidenses

2009-12-09T05:00:00.000-06:00

1. Transformers 2 de Michael Bay

2. La maldición de las hermanas de los hermanos Guard

3. Sólo un sueño de Sam Mendes

4. Halloween II de Rob Zombie

5. Sin nombre de Cary Fukunaga

2009: Peores estrenos no estadunidenses

2009-12-08T05:00:00.000-06:00

1. Slumdog Millionaire (Reino Unido, 2008) de Danny Boyle

2. Al interior (Francia, 2007) de Alexandre Bustillo & Julien Maury

3. Rockanrolla (Reino Unido, 2007) de Guy Ritchie

4. Dorothy Mills (Irlanda-Francia, 2008) de Agnès Merlet

5. Tres monos (Turquía-Francia-Italia, 2008) de Nuri Bilge Ceylan

2009: Lista de filmes elegibles

2009-12-07T05:00:00.002-06:00

Para películas que tuvieron su estreno y una corrida comercial con admisión pagada de por lo menos 7 días, en al menos 1 sala del Distrito Federal o el Área Metropolitana, entre el 1 de enero y el 31 de diciembre del 2009, sin haber tenido un estreno precedente en televisión abierta o restringida nacional, o DVD Región 4.

500 días con ella
7 soles
A la orilla del cielo
Actividad paranormal
Al interior
All the Boys Love Mandy Lane
Arrástrame al infierno
El arte del diablo 2
Boogeyman 2
Borderland
El brasier de Emma
Un brillante propósito
El carnaval de Sodoma
El casamiento de Raquel
Ché, El argentino
Cinco días sin Nora
Cómo atrapar a un millonario
Condones.com
Coraline
Corazón del tiempo
Los cronocrímenes
La cruda verdad
El curioso caso de Benjamin Button
De un día para otro
La decisión más difícil
Déjame entrar
Dorothy Mills
Dos amantes
La duda
Dulces sueños
Eden Lake
La elegida
La era del hielo 3
Espiral
Está vivo
El fantástico sr. Fox
Las flores del cerezo
Grace is Gone
Gran Torino
Halloween 2
Happy-Go-Lucky
The Haunting in Connecticut
Los herederos
Héroe de centro comercial
Inframundo: La rebelión de los Lycans
Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo
The Last House on the Left (2009)
Los que se quedan
El luchador
La maldición de las hermanas
Me importas tú y tú
Milk
Oveja negra
Parque Vía
Penélope
Portadores
La propuesta
Purgatorio
Push
Rápidos y furiosos
Rockanrolla
Role Models
Sabor a miel
My Sassy Girl (2008)
El secreto de la sirenita
Sector 9
Mi segunda vez
Sin nombre
Slumdog Millionaire
Sólo un sueño
The Spirit
Standard Operating Procedure
Star Trek
Surveillance
Terminator Salvation
La tierra
The Time Traveler's Wife
Transformers 2
La transmisión
El transportador 3
Trazando Aleida
Tres monos
Up
Vals con Bashir
Mi vida dentro
La visita de la banda
Vivir de nuevo
X-Men Orígenes: Glotón

Calendario de cierre del año fílmico

2009-11-24T19:13:00.003-06:00

Por primera vez en la historia del blog, adelantamos el cierre del año fílmico 2009. Son causas de fuerza mayor, ya que todavía no sé si nuestro departamento de recién casados tendrá electricidad.

LISTA DE FILMES ELEGIBLES. Lunes 7 de diciembre @ 5:00 AM.
PEORES ESTRENOS NO-ESTADUNIDENSES. Martes 8 de diciembre @5:00 AM.
PEORES ESTRENOS ESTADUNIDENSES. Miércoles 9 de diciembre @ 5:00 AM.
PEORES BODRIOS MEXICANOS. Jueves 10 de diciembre @ 5:00 AM.
MENCIONES ESPECIALES. Domingo 13 de diciembre @11:00 PM.
MENCIONES HONORÍFICAS. Martes 15 de diciembre @ 11:00 PM.
MEJORES ESTRENOS COMERCIALES. Jueves 17 de diciembre @ 11:00 PM.

Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo (2008)

2009-11-18T18:36:00.000-06:00

La invocación nemónica

La desarmante ópera prima hecha con 3 pesos de la egresada del CCC Yulene Olaizola, Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo (México, 2008) es un sensacional documental criminalístico jamás sensacionalista ni rojo, una reconfiguración del sentido de la no-ficción gracias a su vuelta de tuerca shocking nunca gratuita ni oportunista pero sí trabajada calculadora y progresivamente, un retrato evocativo que esconde muchas perturbaciones y perversiones debajo de su aparente tranquila superficie, una perfectamente equilibrada colección de delirantes arrebatos plasticistas, un grandioso film mexicano sobre Arte.

El diálogo vivo. A contracorriente de casi todo el cine documental moderno con sus farragosos monólogos –entrevistas y su falaz “captación directa de la realidad” a lo Los herederos (Polgovsky, 08), los sujetos-objetos de la investigación de Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo entablarán diálogos entre sí, con la documentalista, consigo mismos. Al diablo con la pretendida objetividad de los documentalistas. A imagen y modelo del método socrático, el diálogo será el medio porque el que la verdad surja. Diálogos coloridos, diálogos pintorescos, diálogos hiperlúcidos de ese par de señoras setentonas, diálogos audaces y locuaces que sólo traerán la verdad factual, la verdad intuitiva, la verdad sensorial, la verdad emocional.

El reacomodo del sentido. Como pocas veces y de manera contundente, una vuelta de tuerca reconfigura el sentido de la no-ficción. La primera vista, el resultado es fascinación pura. La segunda vista, todas las creaciones de Jorge Riosse resaltan como el temible testamento de una mente trastornada, invocando un sentimiento perturbador y de desasosiego. Ejemplificando con brillantez la capacidad que tiene el Arte para sublimar o trastornar (¿aunque en el fondo sea lo mismo?), para urdir dentro de sí, para bien, para mal o para peor (“buscó dentro de sí y como estaba loco, lo que salió no fue bueno” Rosa Carbajal”).

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Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo 8

Halloween II (2009)

2009-11-08T18:12:00.006-06:00

Una disculpa al Duendecillo Callejero, tenía toda la razón sobre esta basura

LAS PRETENCIOSAS PESADILLAS

A medio camino entre el caso clínico de grandilocuencia de auteur y la mamararrachada psicoanalítica de lonchería, se encuentra Halloween II, de Rob Zombie (La casa de los mil cuerpos 03, Los rechazados del diablo 05), un caso de estudio en sí mismo de cuando las pretensiones del director de plano se salen de control, sólo para echar por la borda lo que hubiera parecido en principio una promisoria carrera.

Ha pasado casi 1 año de los asesinatos perpetrados por Michael Myers y Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) aún es acechado por los terrores del pasado. Nada parece tranquilizarla y la fatidíca fecha de Noche de Brujas parece estar más cercana y amenazante sólo para desatar visiones mafufas de pena ajena (¿un caballo blanco?) tanto en la cabeza de Michael Myers como en la de Laurie.

Es así que, encaramado como si se tratara de un subBergman o subFellini región 1 pirata, Zombie tiene la necesidad de que cada asesinato brutal, cada cráneo destrozado, cada abdomen hecho trizas por el cuchillo cebollero, deba tener resonancias metafísicas o místicas o espirituales para tratar de explorar el stress postraumático de Laurie o la violencia todo-destructrora del perfecto asesino. Ajúm. Zzz.

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Halloween II 6

Las 10 películas que más han asustado a Paxton

2009-11-05T05:00:00.001-06:00

1. Masacre en cadena (EUA, 1974) de Tobe Hooper

2. El exorcista (EUA, 1973) de William Friedkin

3. Cuando llama un extraño (EUA, 1979) de Fred Walton

4. Halloween (EUA, 1978) de John Carpenter

5. El bebé de Rosemary (EUA, 1967) de Roman Polansky

6. The Hitcher (EUA, 1986) de Robert Harmon

7. Las siete puertas del infierno (Italia, 1981) de Lucio Fulci

8. Holocausto caníbal (Italia, 1980) de Ruggero Deodato

9. Las diabólicas (Francia, 1955) de Henri-Georges Clouzot

10. 29 Palmas - Pasiones salvajes (Francia, 2003) de Bruno Dumont

Sector 9 (2009)

2009-11-03T05:00:00.001-06:00

Sharlto Copley en Sector 9

LA CIENCIA FICCIÓN POLÍTICA

En Sector 9 (District 9, EUA-Nueva Zelandia, 2009), ópera prima del sudafricano Neill Blomkpamp, el medio babas medio aventajado burócrata de sospechoso organismo multinacional Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley sensacional) es asignado para ser el líder de la misión para reubicar al más de millón de aliens en el nuevo Sector 10, pero durante el desempeño de sus deberes es infectado por ADN alienígena, poniendo en riesgo la reubicación así como los planes de cierto alien para activar el mecanismo que los lleve de regreso a su hogar interplanetario.

La ciencia ficción política recurre a una estructura inconsistente de tres partes bien diferenciadas: una primera en modo de falso documental falaz y truculento; una segunda en exquisito melodrama spielbergiano hasta con sus consabidos traumas pater-filiales y conyugales; y una última en bombástica cinta de acción pos-posmoderna a lo Ciudad de Dios / Tropa de élite.

La ciencia ficción política consuma una grotesca, por obviota y elemental, metáfora sobre el apartheid sudafricano, materializada en el ghetto del Distrito 9 del título, la pobreza generalizada cual verdadero virus del siglo XXI, la marginación y la falta de oportunidades para el desarrollo.

Y la ciencia ficción política logra hacer surgir la poesía dura en la figura del burócrata Wikus Van De Merwe, primero desalojador de la población alienígena, posteriormente infectado con material genético de los “langostinos”, y luego convertido en codiciado tesoro de investigación biomédica por obra y gracia de su rapaz suegro, para transformarse finalmente en un salvador intergaláctico mestizo y el héroe (caucásico, faltaba más) del inflado y tramposo filme, que como conclusión regresa ineptamente a su falso documental digno (¿o indigno?) de una cosa como Un día sin mexicanos (Arau, 04).

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District 9 7

La película de octubre

2009-10-23T05:00:00.000-05:00

Silencio en el lago (2008)

2009-10-21T05:00:00.001-05:00

Kelly Reilly y Michael Fassbinder en Silencio en el lago

La pareja moderna en el cine de terror contemporáneo parece estar destinada a un sanguinario sacrificio. Así lo demuestran tanto Hotel sin salida como la ultraparanoica Los extraños. Silencio en el lago (Eden Lake, Reino Unido-Islas Caimán, 2008) de James Watkins lo confirma con creces.

Una versión trastornada del Deliverance de John Boorman, el filme da cuenta entre el enfrentamiento brutal entre la pareja citadina acomodada (Kelly Reilly, Michael Fassbinder, los dos magistralmente dispuestos a lo que sea) y una banda de adolescentes cockney trash. Otro vigoroso ejercicio de tensión extrema, logra invocar los odios clasistas como pulsión que alimenta la brutalidad.

El final, quizás uno de los más crueles jamás filmados, sin necesidad de utilizar el gore previo, queda como una broma cósmica pasada de lanza: bienvenido sea el filme más brutal del año.

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Eden Lake 7

Portadores (2009)

2009-10-19T05:00:00.004-05:00

Escena de Portadores

Se le debe a Exterminio (Danny Boyle, 02) el haber confirmado lo que ya se temía: esta década fue la de las infecciones. Con un estilo intenso y brutal, la infección de "rabia" es causa de otra plaga en el filme de Boyle: la de los infectados, no propiamente zombis puesto que no han muerto, pero sí sanguinarios y violentos seres que destilan irracionalidad y furia. Segunda confirmación: a punto de iniciar la década del vampiro, la que termina fue la década del zombi.

Ese mismo miedo a la infección se despliega en Portadores (Carriers, EUA, 2009), de los barcelonenses Álex y David Pastor, un vigoroso ejercicio de tensión y desolación. En la mejor tradición de las ficciones ateas, se trata de un filme "sin esperanza, ni redención, ni futuro", duro y devastador como pocos a pesar de que se contiene con brillantez en cuanto al uso de la violencia, anomalía dentro de la Era del mall-horror.

Pocas veces el panorama más asolado. Detrás del horror biológico, sólo se esconde un horror moral que pone en entredicho la capacidad del ser humano para su sobrevivencia en un entorno pavorosamente cercano al de nosotros.

Bienvenida sea la película más aterradora del año.

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Carriers 7

Ups! Tercer aniversario...atrasado

2009-10-17T19:17:00.004-05:00

Con mi regreso a la semana laboral después de unas bien merecidas vacaciones, olvidé por completo que este blog celebró su tercer aniversario el 13 de octubre. Sólo me queda anunciar que el blog será actualizado con más frecuencia estos últimos tres meses del año, los lunes, los miércoles y los viernes, con las entradas programadas a las 5 de la mañana. Ah y agradecer sinceramente a todos los lectores, por sus visitas, por sus comentarios y sus atenciones. Iniciamos el cuarto año.

Cinco días sin Nora (2008)

2009-09-27T12:31:00.008-05:00

Juan Pablo Medina y Marina de Tavira en Cinco días sin Nora

La comedia familiar necroamorosa

Desde un principio, atrapa la atención al detalle, que se manifiesta en la cuidadísima dirección de arte, tanto contemporánea como de época dentro del film. Una señora ya de edad avanzada cuidadosamente pone una mesa con una preciosa vajilla de porcelana. Es la señora que minutos más adelante se quitarál a vida, ingiriendo no uno, no dos, sino tres frascos de pastillas. Es la misma señora llamada Nora que trascendentalmente, con anticipación a su suicidio, tiene armado un plan para su velorio, entierro y la apoteósica reunión familiar del adiós.

La fenomenal ópera prima de Mariana Chenillo, Cinco días sin Nora (México, 2008), es una sencilla comedia negra elevada a niveles de grandeza pura gracias a su humildad y buen corazón, un exquisito ejemplar totalmente anómalo dentro de nuestro cine mexicano por sus sutilezas cómicas y/o dramáticas, un relato sin mayores búsquedas vanguardistas o estéticas pero con el aplomo de una puesta en escena pulcra y segura, un destilado del pálpito necrofílico que siempre ha tenido el cine mexicano (según Jorge Ayala Blanco en La herética del cine mexicano ) que también hace gala de su humor negro dulzón en las antípodas de la feroz amargura anticlerical de El esqueleto de la señora Morales de Rogelio A. González.

La dulce muerte. Sólo el cine mexicano puede tratar la muerte de esta manera. La muerte es motivo de regocijo y festividad para el pensamiento mexicano pero aquí también es causante de toda la ternura y dulzura destilada en el relato. Una ternura auténtica y una dulzura honesta, jamás cursi ni empalagosa, con una emotividad y una sensibilidad cada más vez más raras dentro de un cine acostumbrado al tremendismo, al griterío y a la ojetez.

La trascendencia calculada. Nora ingeniosamente se las arregla para seguir influyendo en la vida de sus familiares aunque ya no esté, activando el engranaje narrativo mediante una entrega de carne para el banquete que preparán para la celebración del Pesach. De tal manera que convocará, aún sin estar presente, a su ex esposo José Kurtz (Fernando Luján formidable), del que todavía está enamorada. Convocará a la nana Fabiana (Angélica Peláez), que se encargará de los preparativos para el banquete de despedida. Convoca a su amado hijo Rubén (Ari Brickman), que junto con su esposa Bárbara (Cecilia Suárez) y sus dos encantadoras hijitas, verán interrumpidas sus vacaciones para regresar a la Ciudad de México. Y convoca a su prima Leah (Verónica Langer), conocedora de un secreto que aunque quería, Nora no se llevará a la tumba.

Los milagros tragicómicos. Haciendo gala de un sentido del humor negro y fino, es asombrosa la capacidad del filme para hallar la gracia y la risa, a base de pura sutileza. Enfrentamiento tripartita entre el pensamiento judío, el cristiano y el ateo, el estilo depurado de Chenillo también hallará eco en una reflexión sobre la memoria y sus recovecos.

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Cinco días sin Nora 8

Al servicio de la comunidad/ V

2009-09-21T21:08:00.004-05:00

La siguiente columna apareció en El Financiero del día 21 de septiembre del 2009. Se reproduce aquí en su integridad.

EXHIBICIÓN EN CRISIS por José Felipe Coria

Es uno de los grandes misterios en la historia de la exhibición de cine en México: ¿cómo alguien que revoluciona el mercado renuncia a él a las primeras de cambio? Miguel Ángel Dávila, cofundador de Cinemex, llegó en el momento oportuno a transformar la estancada exhibición, cuando se estaba derrumbando la siniestra Compañía Operadora de Teatros (COTSA). De un día para otro rebasó a la empresa Cinemark, de Roberto Jenkins, sin duda pionera en el concepto "cineplex", y se instaló detrás de Organización Ramírez, única cadena de cines que más o menos funcionaba con la dignidad que COTSA desconocía. Dávila pasó de ser un desconocido al coautor de un trabajo por completo legendario: convertir una tesis estudiantil en una pujante empresa que mantuvo a la vanguardia hasta que, por razones que a muchos sorprendieron, se deshizo de la compañía que llegó a tener algunos de los cines más rentables en la historia nacional.

Cinemex ha estado en un verdadero carrusel: la venden, la compran, la venden, la compran, uf. El nuevo dueño es el polémico y públicamente poco conocido empresario Germán Larrea, de Grupo México. Hace cerca de un año que Cinemex pasó a ser suya al comprársela al anterior propietario, la cadena estadounidense AMC Entertainment. Con esto incrementó su presencia en el terreno de la exhibición, puesto que previamente era propietario de una cadena menor, MM Cinemas, pero que sumada a Cinemex le da una cómoda participación en el mercado con más o menos 35 por ciento de pantallas en el país.

Cinemex siempre tuvo la peculiaridad de llamar "invitados" a sus espectadores, como forma de halagarlos y hacerlos sentir en casa. Durante los primeros años de su funcionamiento, así fue. Lo que la distinguía era la gran calidad en su servicio, que algunas ocasiones se tradujo en invitaciones a los fieles de determinado complejo para que celebraran, sin costo alguno, el aniversario de "su cine" con premier sorpresa, palomitas gratis incluidas. Dicha calidad tuvo su clímax cuando promovieron una membresía con la que, por una cuota fija, el espectador podía asistir al cine todas las veces que quisiera. El concepto resultó innovador. Apostaba a que el público no asistiera solo y a que el dinero que invertía en el boleto lo dedicara al consumo de golosinas. Al parecer funcionó. Las dulcerías estaban a reventar y al menos los espectadores jubilados entraban a las matinées con café y pastelillos en mano. El concepto lo adoptó su competidor Cinépolis con idéntico éxito.

Pero llegó la nueva administración, la de Larrea, y de súbito se avisó que "por estrategia de negocios" desaparecía la membresía. Hecho no tan curioso si se observa el típico devenir del capitalismo salvaje a la mexicana: a los clientes fieles se les trata con la sutil estrategia de echarlos a patadas. La desbandada hacia Cinépolis, la revitalizada empresa de Alejandro Ramírez, no se hizo esperar: si Cinemex no iba a tener una mínima lealtad con sus espectadores, ¿éstos por qué habrían de quedarse?

Ya corrido el público cautivo, parece que ahora siguen los empleados. En los últimos días han surgido varias notas periodísticas (destacadamente en la columna "Capitanes" del diario Reforma, 9/9/2009), donde se da cuenta de algo que ya los espectadores cotidianos de Cinemex sabían: sus complejos están trabajando con mínimo personal, tanto que es de un día sí, y de otro también, tener que salir de la función para avisar que o se proyecta fuera de foco, o sin el formato que debería ser, o que por favor apaguen las luces de la sala. Al parecer hay dos cácaros para complejos que cuentan hasta con 12 salas. Para acabarla, deben hacer más cosas por el mismo salario: cácaro, dulcero, barrendero, heladero. La "estrategia" es bajarle calidad al servicio, mientras que la estrategia de su competencia, Cinépolis a la cabeza, es la opuesta.

La situación de los trabajadores es compleja. Cada que los espectadores reclaman, aquéllos dan diversas explicaciones, siendo ahora las constantes los malos tratos que reciben de la empresa, como el ser "recontratados" perdiendo ventajas laborales que antes tenían, o ver reducidos sus beneficios en un clima de hostilidad que lo primero que logra es que los empleados dejen de ser leales a la ahora perdida misión empresarial de Cinemex y laboren al "ai'se va", lo que, por supuesto, funciona como "estrategia" para alejar aún más al espectador, poniéndolo a la búsqueda de opciones que le satisfagan.

COTSA vivió en eterno deterioro porque la "estrategia de negocios" fue depredarla buscando ganancias rápidas sin servicio ni calidad. Si esto sucediera a Cinemex, el legado de Dávila quedaría en nada. Pa'llorar.

Mi segunda vez (2009)

2009-09-20T12:30:00.007-05:00

Justin Bartha y Catherine Zeta-Jones en Mi segunda vez

LA COMEDIA ROMÁNTICA DIVORCIADA

En Mi segunda vez (The Rebound, EUA, 2009), largo 4 de Bart Freundlich como autor total, la típica ama de casa de suburbios dizque satisfecha y perfecta Sandy (Catherine Zeta-Jones brillando en su mejor papel desde la fosseana Chicago) ve derrumbarse su vida al enterarse de las felaciones que su amiga le propinaba a su esposo dentro de la mismísima cocina de su hogar, por lo que en una toma de conciencia abandonará la casa con sus dos encantadores aunque precoces hijitos para mudarse a la ciudad de Nueva York y conocer por mera casualidad al veinteañero con maestría pero subempleado Aram Finklestein (Justin Bartha), a quien contratará primero ocasionalmente y luego de tiempo completo para ser niñero de sus hijos; el lazo que creará Aram con sus hijos formará una familia nuclear mucho antes de que los dos divorciados se percaten de los sentimientos que empiezan a aflorar en ellos, más alla de lo meramente profesional y amistoso.

La comedia romántica divorciada es un magnífico ejemplar del Hollywood más maduro, quizás no el más vanguardista ni el más brillantemente clasicista (a lo Eastwood), pero sí dotado de una madurez sólida e insólita, a un tiempo exquisita e hipnotizante, conseguida a través de años de prueba y error, despidiendo con dignidad la década con la Gran Comedia Romántica que esperábamos con ansias, ahora ya no con niños (Little Manhattan) ni con adolescentes hipsters (Nick & Norah's Infinite Playlist) sino con adultos hechos y derechos.

La comedia romántica divorciada concentra su fuerza en el detalle encantador y carismático (en las antípodas de un Woody Allen) y al mismo tiempo en un sentido del humor fino, adulto e intelectualizado (irónicamente emparentado con el mismo Woody), evitando con brillantez la cursilería y la convencionalidad en moldes arquetípicos y giros argumentales sobadísimos que parecen ser el gran lastre de la comedia romántica moderna como en basuras que se creen vulgares y audaces tipo La cruda verdad (Con un Robert Luketic por completo castrado de su inspiración cómica) y toda la inflada fábrica Appatow de perdedores redimidos por el wishful thinking.

Y la comedia romántica divorciada desenvuelve con fluidez y aplomo la relación edípica dentro de una historia de crecimiento doble en que los dos adultos se liberan entre sí y de sí mismos, sólo para descubrir que están hechos el uno para el otro.

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The Rebound 8

¿Triunfal regreso?

2009-08-31T07:26:00.003-05:00

ATENTO AVISO

Este martes 1 de septiembre regresa a todo vapor el blog que tengo en Cine Premiere. Favor de checarlo y dejar comentarios. El canal de suscripción del blog para los que usen un servicio de lector de feeds es http://www.premiere.com.mx/blog_rss_feed.php?feed=2026

Por su atención, muchas gracias, y que el lunes les sea leve.

Hay de obsesiones a obsesiones

2009-08-17T20:57:00.001-05:00

Paxton como un personaje de Mad Men. Hacer click para hacer zoom.

Las 25 películas mexicanas más perfectas de la historia...según Ayala Blanco/ I

2009-08-16T12:00:00.004-05:00

En un ejemplar de la revista Somos de 1994, Jorge Ayala Blanco listó las que a su juicio eran las 25 películas mexicanas más perfectas de la historia. Gracias a Ernesto Diezmartinez por su ayuda en reconstruir la lista que aparece a continuación.

1. Los hermanos Del Hierro (1961, Ismael Rodríguez)

2. La fórmula secreta (1965, Rubén Gámez)

3. Vámonos con Pancho Villa! (1936, Fernando de Fuentes)

4. Los confines (1987, Mitl Valdez)

5. Aventurera (1950, Alberto Gout)

6. La noche avanza (1952, Roberto Gavaldón)

7. Campeón sin corona (1946, Alejandro Galindo)

8. Niño Fidencio: El taumaturgo de Espinazo (1980, Nicolás Echeverría)

9. Juego de mentiras (1967, Archibaldo Burns)

10. Los marcados (1971, Alberto Mariscal)

11. Tiburoneros (1963, Luis Alcoriza)

12. Flor Silvestre (1943, Emilio "El Indio" Fernández)

13. Doña Perfecta (1951, Alejandro Galindo)

14. Nosotros los pobres (1948, Ismael Rodríguez)

15. Dos tipos de cuidado (1953, Ismael Rodríguez)

16. Diamante (1984, Gerardo Lara)

17. El diablo y la dama (1984, Ariel Zúñiga)

18. Figuras de la pasión (1984, Rafael Corkidi)

19. Amor a la vuelta de la esquina (1985, Alberto Cortés)

20. Goitia, un dios para sí mismo (1988, Diego López Rivera)

21. Río Escondido (1948, Emilio "El Indio" Fernández)

22. El apando (1976, Felipe Cazals)

23. Las puertas del paraíso (1971, Salomón Laitier)

24. Lolo (1993, Francisco Athié)

25. Recodo del purgatorio (1975, José Estrada)

Las que faltaron: Él (1953, Luis Buñuel), El esqueleto de la señora Morales (1960, Rogelio A. González), La montaña sagrada (1973, Alejandro Jodorowski), Veneno para las hadas (1984, Carlos Enrique Taboada).

Terminator: La salvación (2009)

2009-08-12T08:50:00.004-05:00

Moon Bloodgood en una escena de Terminator: La salvación

EL CINE DE ACCIÓN TECNOFÓBICO

En Terminator: La salvación (Terminator Salvation, EUA, 2009), filme 4 del exvideoclipero McG (la saga de Los ángeles de Charlie 00/03 We Are Marshall 06), con base en un formidable guión sintético por John D. Brancato y Michael Ferris, el asesino condenado a la pena capital Marcus Wright (Sam Worthington sensacional) decide donar su cuerpo a una empresa de investigación biotecnológica, sólo para estar presente 15 años después, en pleno 2018, en la guerra de la resistencia humana, lidereada por el legendario John Connor (Christian Bale ascendido a pésimo actor inexpresivo), contra la autoconsciente máquina SkyNet y su imperio bélico.

El cine de acción tecnofóbico elabora con crudeza y casi sin proponérselo la perfecta metáfora para el mundo poscapitalista en que vivimos, porque se trata de un mundo devastado, sin esperanza, ni redención, ni futuro, siempre temeroso de la dependencia tecnología pero irónicamente enganchando a ella para siempre, para su supervivencia.

El cine de acción tecnofóbico despliega su puesta en escena ultraelegante, afelpada y controladísima, magistralmente a contracorriente de las tendencias dominantes dentro del cine de acción hollywoodense modelo siglo XXI, ya que se olvida de las hiperfragmentaciones y los nauseabundos movimientos de cámara de la shaky cam para mejor concentrarse en esos planos-secuencias delirantes, muy deudores del cine de Steven Spielberg y Kathryn Bigelow, en esos top shots densificantes y en finalmente y como un todo, en rescatar la importancia de establecer una gramática espacial coherente, en el extremo opuesto exacto de una nulidad mierdera como Transformers 2 (Bay, 09), según el modelo que también rescatara la cinta de animación de los estudios Disney Bolt (Howard-Williams), de fijar la vista (o la cámara) en un punto del plano, no importando lo vertiginosa que sea la acción que éste contenga, modelo iniciado en la obra maestra Vanishing Point (1971) de Sarafian y Cabrera Infante.

El cine de acción tecnofóbico recrea la enésima fábula alrededor del gran tema de la Bella y la Bestia Tecnológica, destilando la tensión sexual y la erotomanía compartida entre Marcus y la bella ruda de la resistencia Blair Williams (Moon Bloodgood reveladora) y al mismo tiempo y sin ánimos pretenciosos, reflexionar humildemente sobre la condición humana y la grandeza del corazón del hombre.

Y el cine de acción tecnofóbico, cual burla fina, se regodea en la tecnología de punta para hacer surgir la emocionante magia de los efectos especiales, en el que Hollywood sigue siendo insuperable maestro e inalcanzable por el resto de las cinematografías nacionales, ya bien entrados en el siglo XXI.

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Terminator Salvation 7

College Humor presenta: Una obra maestra de la parodia

2009-08-09T21:33:00.002-05:00

Dar click aquí para verlo

Vivir de nuevo (2006)

2009-08-02T12:12:00.003-05:00

Activando el mismo dispositivo de "destino soñado" que volviera a Corre Lola corre (Tykwer, 98) y Mil nubes de paz cercan el cielo (Hernández, 03) auténticas sensaciones mundiales, los escritores en ciernes Philip (Anders Danielsen Lie) y Erik (Espen Klouman Høiner) depositan sus manuscritos en el buzón, esperando a que llegue a la editorial y tengan la oportunidad de triunfar en el mundo literario. A partir de ese envío la ficción se dispara y queda muy clara la estructura arborescente que la película en su conjunto tendrá.

La impetuosa ópera prima del danés de tan sólo 35 años Joachim Trier, Vivir de nuevo (Reprise, Noruega, 2006), es un asombroso juego borgeano para armar, una enérgica pieza de cine escandivano luego de que el Dogma98 se estancara en el anticine más rancio y teatral gracias a la mamonería del movimiento, una explosivo ejemplar del mejor cine sobre cultura juvenil al nivel de cualquier jovial autor alemán o estadunidense, un disertación sobre la locura creativa y la manera de recrear sus posibilidades infinitas.

Vivir de nuevo o el rompecabezas metaliterario. Una ficción proteica, como pocas (pero como casi todo el cine hipermoderno) que se reinventa y revienta en cada giro, en cada opción, cada una de ellas cuidadosamente planeada y calculada. El modelo para armar se desprende de sus orígenes en principio literarios para afianzarse en terrenos puramente cinemáticos.

Vivir de nuevo o las ruinas del Dogma98. Aunque todavía el filme lleva una buena dosis de cámara en mano, este Trier conoce que existen mucho más recursos expresivos y no se limita. De tal manera que el abanico de recursos estéticos utilizados se corresponde perfectamente con el ánimo para reinventarse sus opciones narrativas. Después de basuras de la calaña Después de la boda de la Bier, se advierte el ánimo de liberarse de las ataduras de tanta mamonería.

Vivir de nuevo o la pasión re-creativa. Y a la vez una metáfora múltiple: la recreación de la inspiración literaria, la recreación de la nueva juventud europea (al ritmo de una excelente banda sonora neopunkera) y la recreación del nuevo cine escandinavo, edificado sobre las cenizas del Dogma 98. Recrear es volver a crear, volver a vivir.

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Reprise 9

Los 2000s: Animación

2009-07-20T19:28:00.008-05:00

Las películas animadas más grandiosas de los 2000s, han abierto las puertas a mundos que no podrían ser representados por el cine de acción viva.

Vals con Bashir (2008)

2009-07-19T18:28:00.004-05:00

Poco que escribir sobre Vals con Bashir de Ari Folman, realmente. Eso sí, es increíble lo que pasa en estos días como innovador. Será su estructura de documental arcaica entrevista-evocación-dramatización, en modo "repita y enjuage", será su animación más bien pinchurrienta, cuya técnica inspirada en el rotoscopio ya había utilizado Richard Linklater para la onírica Waking Life ¡hace casi 8 años!. Sepa. Lo que sí sé es que poco entusiasma y esa ambigüedad lo único que hace es crear mitologías, donde no las debiera haber.

Eso sí, nada se compara con las palabras de Amurabi Méndez. "Lo peor es que la ven hasta como propaganda antibélica e innovadora mientras pontifica: HUEVA". A lo que sólo queda agregar un "amén".

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Vals Im Bashir 7

Jejeje, las 15 respuestas más imbéciles a la crítica de cine

2009-07-12T21:33:00.004-05:00

1. ¿Dónde está tu gran trabajo de arte?

2. Nunca me ha impresionado tu trabajo artístico.

3. No necesito a nadie decirme sobre lo que me puede o no gustar.

4. Estás celoso solamente. Mauro se robó a tu novia y eres un escritor frustrado en el fondo.

5. ¿Por qué reseñas cosas que odias? Si no te gusta algo, simplemente ignóralo.

6. El arte subjetivo. Si me gusta, es bueno. Todo es asunto de opinión.

7. A alguna gente la gusta, a otra no. LA GENTE TIENE DIFERENTES OPINIONES. HAY BUENAS COSAS Y MALAS COSAS EN TODO. FIN DE LA HISTORIA. Desearía que todos se callaran de una buena vez.

8. Eres un snob.

9. ¿Qué tiene de constructivo la burla? Necesitas ser más constructivo en tus críticas.

10. Necesitas equilibrar tu opinión. Menciona los buenos puntos así como los malos.

11. Caray, mejor dime cómo realmente te sientes.

12. Tomas las cosas demasiado en serio... relájate. Es sólo entretenimiento.

13. Pero no se supone que deba ser buena, es autoparodia. Es consciente de qué tan mala es.

14. Tu opinión no es un hecho.

15. De gustibus non est disputandum.

Para leer las contestaciones, dar click aquí.

Las 10 películas mexicanas más perfectas de la historia...según JAB

2009-07-09T22:11:00.004-05:00

Pues ahí tienen que el Love Doctor me arrastró a ver esa basura de Transformers 2 con él. En la plática prefunción, nos pusimos a comentar sobre la existencia de cierta lista de Ayala Blanco, que enlistaba las 10 películas mexicanas más perfectas y más bellas jamás concebidas. De entrada, explícitamente, él ha manifestado dos títulos:

Los hermanos Del Hierro de Ismael Rodríguez (1960)
Mil nubes de paz cercan el cielo de Julián Hernández (2003)

Barajeando nombres en la charla, se nos ocurrieron posibles títulos que podrían integrar el resto de la lista:

La otra de Roberto Gavaldón (1946)
Aventurera de Alberto Gout (1950)
La perla de Emilio "El indio" Fernández (1947)
SOBA de Alan Coton (2004)
La soldadera de José Bolaños (1966)
No me defiendas, compadre de Gilberto Martínez Solares (1949)
El esqueleto de la sra. Morales de Rogelio A. González (1960)
El diablo y la dama de Ariel Zúñiga (1984)

Y ustedes, ¿qué cintas piensan que están en esa lista?

La propuesta (2009)

2009-07-08T15:55:00.006-05:00

Apuntes sobre La propuesta

1. Dentro de La propuesta (The Proposal, EUA, 2009), tercer film de Anne Fletcher (Step Up 06 y 27 bodas 08), con base en un guión de Peter Chiarelli, existe una película madura encerrada dentro de una película babosa, y desafortunadamente, la película madura nunca logra salir. La película madura pertenece al género de la comedia melodramática, en nuestros días llamado dramedia. La película babosa es en realidad una muy cretina comedieta romántica para consumo masivo del público femenino (al nivel de desastres tipo Quiero robarme a la novia 08 y Guerra de novias 09), que tanto españoles como italianos y ahora hasta mexicanos (ejem, Amor letra por letra) se empeñan en copiarles al carbón a los americanos. Queda la frustración de qué hubiera pasado si se le hubiera dado el material a brillantes comediógrafos como James L. Brooks, Mike Nichols o ya de perdis Nancy Meyer y si los ejecutivos de Disney hubieran quitado sus grasientas manos de la cinta.

2. La película babosa, sinceramente, se ve muy manoseada. Queda la sospecha de que una vez que los ejecutivos vieron un primer corte de la cinta, le hicieron "sugerencias" al guionista para insertar escenas más "graciosas" y "divertidas", pensadas para el mercado white trash - perdón, de a pie- que acompaña a las damas a ver este tipo de cintas (humor peligrosamente derivado de otra comedieta Disney, esa basura que fue Rebeldes sin causa). Entre estas escenas "jocosas" se cuentan el ataque del águila al cachorro, el striptease de Ramone (Oscar Nuñez sublimando asquerosamente los estereotipos latinos al infinitio) y la escena del "desnudo".

3. La película madura pudo haber sido genial, si se le hubiera permitido salir. Sobre todo porque existía la posibilidad de explorar las relaciones de poder familiares (en las que James L. Brooks es experto), corporativas (un territorio en el que el mencionado Nichols se mueve bien), y de género (algo que glosa con eficacia y cierta inspiración Nancy Meyers). Todo esto se echa por la borda, porque filmar con cierta eficacia chambona, porque crear un par de escenas genuinamente graciosas, porque lograr momentos conmovedores son condiciones necesarias pero no suficientes para hacer surgir una comedia romántica lograda, ya no se diga inspirada. Ni modo, la ternura y el romance auténtico se queda en otros territorios (Nick & Norah's Infinite Playlist).

4. Pocos ponen en duda la capacidad y el talento de Sandra Bullock y Ryan Reynolds para la comedia. Lo que no queda claro es ¿Anne Fletcher sólo sabe dirigir bailarines pero no actores? ¿Dónde está la química? ¿A dónde carajos se fue el romance? ¿Es demasiado pedir algo de sensualidad viniendo de dos de los actores más atractivos de Hollywood? Sepa la chingada, aunque parece ser que la habitual asexualidad de Disney se extiende hasta en sus cintas con personajes de carne y hueso.

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The Proposal 6

Up (2009)

2009-07-05T15:16:00.005-05:00

Después de 2 fallidas fábulas con tufillo realista, Pixar ha creado en Up (ídem, EUA, 2009), de Pete Docter, su película más madura y más adulta. Qué maravilla de filme es éste, uno que encuentra un magno equilibrio entre la habitual ñoñez de Pixar y la crueldad disneyana.

Si Ratatouille y WALL*E fracasaron, era porque en el fondo, lo que buscaban era ser elaborados alardes narcisistas sobre qué maravillas tecnológicas ambas cintas eran. No es el caso del Up, un filme donde el sentimiento y la emoción (siempre humanas y no de una rata o de un robotito muy cursi) toman preferencia sobre sus logros técnicos. Es así como la primera parte, realista, de una dulce aspereza (¡se sugiere por primera vez en una cinta animada estadunidense para consumo masivo de dónde realmente vienen los bebés!), da paso a una segunda parte onírica, jamás light ni cretina, que utiliza los mecanismos surrealistas para lidiar con la muerte del ser amado. Es la meditación trascendental (cual un David Lynch patas para arriba) que es un desatado y duro delirio imaginativo que es una colorida cinta de acción donde el sentido de peligro y aventura nunca cesa y por ende, jamás termina la capacidad para el asombro. En lo personal, así es como me gustan mis cintas animadas.

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Up 8

Las 40 mejores películas mexicanas de los 2000s según yo

2009-07-02T21:32:00.003-05:00

Escena de Eréndira la indomable

Lineamientos

Para películas estrenadas entre el 1 de enero del 2000 y el 30 de junio del 2009. Lista preliminar. Cortometrajes, mediometrajes y series de televisión no son elegibles. Para películas que tuvieron por lo menos una función dentro de una sala de cine con admisión pagada, dentro del territorio de la República Mexicana.

Lo que esta lista NO es

1. Una lista de las películas más grandiosas de la década.

2. No está escrita en piedra. Será sujeta a revisiones en los meses y años por venir.

Entonces, ¿qué carajos es esta lista?

Es una lista de 40 filmes de los 2000s (2000-2009) con los que tengo una relación más profunda de lo habitual. Por consiguiente: Un canon personal sobre el cine mexicano en los 2000s. En algunos de los casos - digamos el 50% de la lista- ciertos títulos también estarían en una lista de "las más grandiosas películas de los 2000s". Series de televisión y cortometrajes no son elegibles.

Lo que deben hacer con la lista

1. Leerla. Disfrutarla. Reírse de ella. Alabarla. Rascarse la cabeza en confusión. Arrugar la nariz (Sí, Niñas mal está en la lista).

2. Usarla como guía de rentas.

3. Comentar sobre ella. Casi todo es mejor si está permitida la interacción.

4. No pedir justificaciones sobre los gustos que conformaron esta lista. Tales justificaciones vendrán en su debido tiempo. O no.

(empezamos)

01. Eréndira la indomable (2006, Juan Mora Catlett)

02. Párpados azules (2007, Ernesto Contreras)

03. SOBA (2004, Alan Coton)

04. Cumbia callera (2007, René U. Villarreal)

05. Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor (2003, Julián Hernández)

06. Sofía (2000, Alan Coton)

07. Adán y Eva (todavía) (2004, Iván Ávila Dueñas)

08. Así (2005, Jesús-Mario Lozano)

09. Parque Vía (2008, Enrique Rivero)

10. Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo (2008, Yulene Olaizola)

11. Cinco días sin Nora (2008, Mariana Chenillo)

12. En las arenas negras (2002, Marcel Sisniega)

13. Luz silenciosa (2007, Carlos Reygadas)

14. Al otro lado (2005, Natalia Almada)

15. 1973 (2005, Antonino Isordia)

16. Mi vida dentro (2007, Lucía Gajá)

17. La canción del pulque (2003, Everardo González)

18. Por la libre (2000, Juan Carlos de Llaca)

19. Un mundo raro (2001, Armando Casas)

20. El mago (2004, Jaime Aparicio)

21. La sangre iluminada (2007, Iván Ávila Dueñas)

22. Huapango (2004, Iván Lipkies)

23. Nesio (2008, Alan Coton)

24. El gavilán de la sierra (2002, Juan Antonio de la Riva)

25. Seres humanos (2002, Jorge Aguilera)

26. Cuento de hadas para dormir cocodrilos (2002, Ignacio Ortiz)

27. XV en Zaachila (2003, Rigoberto Pérez Cano)

28. Relatos desde el encierro (2004, Guadalupe Miranda)

29. Muxes: Auténticas, intrépidas y buscadoras del peligro (2005, Alejandra Islas)

30. Presunto culpable (2009, Roberto Hernández)

31. El brasiere de Emma (2007, Maryse Sistach)

32. Perfume de violetas (2000, Maryse Sistach)

33. Familia tortuga (2007, Rubén Imaz)

34. 24 cuadros de terror (2008, Christian González)

35. Historias del desencanto (2005, Felipe Gómez & Alejandro Valle)

36. Los ladrones viejos (2007, Everardo González)

37. Los que se quedan (2008, Juan Carlos Rulfo & Carlos Hagerman)

38. Purgatorio (2008, Roberto Rochín)

39. Niñas mal (2007, Fernando Sariñana)

40. Cansada de besar sapos (2006, Jorge Colón)

Las 45 peores películas mexicanas de los 2000s según yo

2009-06-30T18:38:00.008-05:00

Para películas estrenadas entre el 1 de enero del 2000 y el 30 de junio del 2009. Lista preliminar. Cortometrajes, mediometrajes y series de televisión no son elegibles. Solamente estrenos comerciales.

01. El carnaval de Sodoma (2006, Arturo Ripstein)

02. Divina confusión (2008, Salvador Garci)

03. El cobrador (2006, Paul Leduc)

04. La virgen de la lujuria (2002, Arturo Ripstein)

05. El búfalo de la noche (2007, Jorge Hernández Aldana)

06. Zapata (2004, Alfonso Arau)

07. Las Vueltas del Citrillo (2005, Felipe Cazals)

08. Lake Tahoe (2008, Fernando Eimbcke)

09. Cáliz (2007, Miguel Ángel Vega)

10. Niñas mal 2: Aventuras en la casa del terror (2007, Gustavo Moheno)

11. Y tu mamá también (2001, Alfonso Cuarón)

12. Rudo y Cursi (2008, Carlos Cuarón)

13. 7 soles (2008, Pedro Ultreras)

14. Así es la vida (2000, Arturo Ripstein)

15. Condones.com (2009, Mario Abraham Mancilla)

16. Déficit (2007, Gael García Bernal)

17. ¿Y tú cuánto cuestas? (2007, Olallo Rubio)

18. Vivir mata (2002, Nicolás Echeverría)

19. La perdición de los hombres (2000, Arturo Ripstein)

20. Efectos secundarios (2006, Issa López)

21. Ciudades oscuras (2002, Fernando Sariñana)

22. La misma luna (2007, Patricia Riggen)

23. Voces incoherentes (2004, Luis Mandoki)

24. Desnudos (2004, Enrique Goméz Badillo)

25. Pamela, por horror (2008, Rodolfo Galindo)

26. Cañitas (2007, Julio César Estrada)

27. Eros una vez María (2007, Jesús Magaña)

28. La zona (2007, Rodrigo Plá)

29. Amar te duele (2002, Fernando Sariñana)

30. Un día sin mexicanos (2004, Sergio Arau)

31. Espinas (2007, Julio César Estrada)

32. Casi divas (2008, Issa López)

33. Mejor es que Gabriela no se muera (2007, Sergio Umansky)

34. Todos los días son tuyos (2007, José Luis Gutiérrez)

35. 40 días (2007, Juan Carlos Martín)

36. Cicatrices (2005, Paco del Toro)

37. Arresto domiciliario (2007, Gabriel Retes)

38. Nicotina (2003, Hugo Rodríguez)

39. Digna...hasta el último aliento (2004, Felipe Cazals)

40. Propiedad de pena ajena (2007, Luis Vélez)

41. El segundo aire (2001, Fernando Sariñana)

42. Gabriel Orozco (2002, Juan Carlos Martín)

43. J'ok el: La llorona (2007, Benjamin Williams)

44. Mosquita muerta (2007, Joaquín Bissner)

45. Al otro lado (2005, Gustavo Loza)

Al servicio de la comunidad/ IV

2009-06-29T19:14:00.004-05:00

La sección cultural de El Financiero se ha forjado fama a través de ya décadas, de ser un espacio libre, plural y democtático, algo raro dentro de la prensa nacional. José Felipe Coria, en su columna Hollywood & Wien del lunes 28 de junio del 2009, sintetiza con brillantez y genialidad la situación de hartazgo de la ciudadanía mexicana ante el grotesco circo de las campañas de las elecciones intermedias. Dicha columna, para el anfitrión de este blog, está destinada a convertirse en un clásico.

TENGO ASCO por José Felipe Coria

Me da asco salir a la calle a caminar y tomar el café entre la contaminación visual que imponen las campañas políticas, basura sin idea al- guna. Me da asco prender la televisión para que me hostiguen todos los inútiles partidos políticos con espots que repudian la inteligencia y creen que el ciudadano reaccionará como perro de Pavlov (wof,wof).

Me da asco leer que Manlio Fabio Beltrones acusa al presidente de tener al país en ruta al fascismo, como si el Partido Revolucionario Institucional al que pertenece no lo hubiera hecho ya. Me da asco ver que Acción Nacional tiene como único programa de gobierno la genuflexión ante el presidente. Me da asco escuchar las arengas del, qué risa, "líder, jajaja, de las izquierdas, jajaja", Porfirio Muñoz Ledo, para votar por el Partido del Trabajo: es la retórica de un mentiroso formado en el viejo priismo al que parece añorar. Me da asco descubrir cómo los políticos saltan de uno a otro partido sin rubor (Demetrio Sodi a la cabeza) y sin encontrar contradicción alguna en ello. Me da asco ver cómo se improvisan posibles diputados y jefes delegacionales de seudointelectuales (empezando por Guadalupe Loaeza) y seudolíderes sociales (el traído y llevado Juanito), que sin duda acabarán haciendo el trabajo a la "enchílame otra" o, de plano, renunciando para que la elegida del caudillo democráticamente reparta el pastel, ¿qué no? Me da asco confirmar cómo las tribus del Partido de la Revolución Democrática lo despedazan por el fanático desquiciamiento narcisista de Andrés Manuel López Obrador para el que no hay más propuestas (y falta de ideas) que las suyas, y por la pusilanimidad del resto del naufragio que encabeza Jesús Ortega. Me da asco que esta izquierda sea tan sectaria, arrogante y banal como Alejandra Barrales y Marcelo Ebrard.

Me da asco que cuando hay una bronca seria, llámese la infiltración del narco en el gobierno de Michoacán, o la quemazón criminal de bebés bajo el actual gobierno de Sonora, los respectivos mandamases rehúyan la mínima responsabilidad y carezcan de una ética con la que deberían dar la cara y evitar la búsqueda de responsables en todos lados menos donde están: bajo sus narices.

Me da asco ir al cine y sentir pena ajena por los estúpidos comerciales del Partido Verde, que convierten problemas sociales en auténticas microtelenovelas de realismo cretino ("¡nooo haaay medicinaaa pa'miii mamááá!", "¡cómooo conservooo miii empleooo siii nooo sééé inglééés!"). Me da asco que después de este horror manipulador este mismo partido asalte al espectador un minuto antes de comenzar la función con un dizque actor sin rasurar, y una señorita de apellido Perroni, enumerando ambos dos a la vez el perrón apocalipsis que sería no votar por el Verde previo a declarar "¡disfruta tu película!". Sí, carajo, cómo no, ya que nos hicieron encabronar.

Me da asco que una de las propuestas más nazifascistas que ni el sinarquismo se habría atrevido a manifestar la hizo este Partido Verde (Partido Camisas Doradas les queda más chido): ¡convertir la Suprema Corte de Justicia de la Nación en patíbulo! ¿Institucionalizar el asesinato cuando nunca ningún político mexicano propone mejorar los cuerpos policiacos, cambiar las formas de investigar y castigar el crimen, fomentar una policía científica que existe en países civilizados, y convertir a las actuales escuelas del crimen, los Centros de Readaptación Social (jajaja, no mamen, qué mentira) en lo que se supone deberían ser? Pero ningún Verde meterá mano ahí por miedo a mancharse con la peor mierda humana que para ellos es indigna de redención.

Me da asco, pues, que el Verde sea el partido más fascista de todos ya que, por supuesto, ignora lo obvio que apunta Élisabeth Roudinesco en su libro Nuestro lado oscuro (Anagrama): "En apoyo de su compromiso abolicionista, Sade añade un argumento pragmático: la pena de muerte no sirve para nada. No sólo no reprime al crimen... sino que añade un crimen a otro al hacer que mueran dos hombres en lugar de uno. (Ya Pascal subrayaba: '¿Es preciso matar para impedir que haya malvados? Eso supone hacer dos en lugar de uno'. Sade es el único escritor anterior a Víctor Hugo que se pronuncia a favor de una abolición incondicional de la pena de muerte)." Me da asco, pues, que ningún partido, ni los pequeñajos, parásitos ávidos de conservar su registro para tener hueso seguro cortesía del erario, tengan una plataforma que promueva la ética y la cultura, imprescindibles para evitar barbaridades como la pena de muerte. Me da asco ver que la cultura mexicana emanada de la Revolución valió madres porque la ignorancia, la mediocridad y las puntadas oportunistas son ahora ley. Me da asco saber que la "cultura democrática" que rige a los partidos es la simple cleptocracia. Es tal el asco que tengo de vivir aquí y ahora que ni por Platanito me dan ganas de votar. Neta.

Transformers 2 (2009)

2009-06-28T17:10:00.004-05:00

Wow. What a fucking giant racist misoginist homophobic piece of shit!

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Transformer: Revenge of the Fallen 4

Las 10 peores películas mexicanas de la década según Replicante

2009-06-25T21:26:00.004-05:00

Jejeje. La revista Replicante acaba de sacar el conteo de las 10 peores cintas mexicanas de la década. Es buena la lista, pero destacamos las joyas de comentarios, escritos por personajes de la talla de JAB, Coria y Naief Yehya. Para ver la lista dar click aquí. Corran a ver.

Aventurera (1950)

2009-06-22T00:01:00.003-05:00

Probablemente se levantaron muchas cejas y muchas narices quedaron arrugadas. En el momento en que David Bowie eligió sus 10 filmes favoritos en español de los últimos 100 años, ningún filme mexicano de la presente década (tan ilusioria y estúpidamente celebrada como la década de una nueva internacionalización para el cine mexicano) se les coló. Entre las 10 elegidas hubo 3 mexicanas: una silente y dos habladas. Y entre las habladas se coló Aventurera.

El décimo cuarto largometraje de Alberto Gout, sobre un argumento original de Álvaro Custodio en colaboración con Carlos Sampelayo, Aventurera (México, 1950), es una obra maestra del melodrama cabaretero más histérico elevado a nivel de Gran Arte, una reflexión sobre la plausibilidad de lo descabellado y la implausibilidad de lo sensato, una sucesión más que brillante de desplantes escénicos y argumentales atados sólo a los caprichos de sus autores cual meta-relato autoconsciente y hasta juguetón, una bofetada en seco (quizás la más grande y la más seca) a la centenaria doblemoralidad e hipocresía de la sociedad mexicanas, una de las más grandiosas y perfectas películas mexicana jamás filmadas.

Aventurera o la altivez febril. El orgullo inquebrantable se materializa en la arrasante presencia de Ninón Sevilla, en esos desplantes histriónicos, en la rudeza de sus gestos y sus manierismos, en los pasos de baile ultra-agresivos e hiper-sensuales. El cuerpo hecho voluntad para herir y consumar la venganza.

Aventurera o mueran las buenas conciencias. Probablemente una de las más heréticas películas que nuestra cinematografía haya concebido, se desafía de manera frontal e impudorosa algo que ha sido el lastre para la sociedad mexicana por siglos: la hipocresía y la doble moral. La figura de Rosaura de Cervera (Andrea Palma) encarna esa hipocresía, llevada a niveles insultantes, que sin duda da paso a las mejores escenas de la segunda parte de la escena, cuando Elena Tejero consigue casarse con Mario Cervera y aprovecha para restregarle a Rosaura todo el fango que en que la sumergió hasta culminar con esa escena, intensísima, donde Mario descubre la verdad sobre su madre.

Aventurera o las virtudes negativas. Sin ningún tipo de moralina ni mensaje edificante de ninguna especie, ni mucho menos un ánimo aleccionador, Elena Tejera se regodea en su venganza sin casi ningún remordimiento, y al fin saldrá victoriosa aunque quede un aliento de tristeza y desesperanza, en la figura solitaria del Rengo tomado en top shot, al quedarse quieto en ese callejón vacío y oscuro.

Entonces sí. A David Bowie no le falló el pulso.

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Aventurera 10

Las maravillas de la ciencia

2009-06-20T16:44:00.001-05:00

Una pésima adaptación

2009-06-18T05:00:00.005-05:00

¿Qué va de esto

o esto

a esta basura

?

Lo que no me explico es cómo el coreógrafo que también dirigió la película la cagó de semejante manera.

Y lo dije en su momento y lo sostengo: la editaron con las patas.

Muestra fílmica del CUEC

2009-06-17T05:00:00.000-05:00

Mientras la cartelera presume vergonzosamente opciones nulas para el cine mexicano y la Quincena de Pre-estrenos -perdón, el Foro Internacional de la Cineteca- pasa con más pena que gloria, los estudiates del CUEC de la UNAM sacan la casta. Jóvenes promesas en formación que se aventaron dos mini-filmes notables más una pequeña obra maestra en la más reciente Muestra fílmica del CUEC, como sigue.

La docuficción cienciaficcional

En La difícil misión del Capitán K.S. (México, 2008, 15 minutos), cortometraje documental de Alejandro Murillo (tras Si nos dejan 07 y antes de Casi todo por placer 09), un extraterrestre inmostrable viaja desde su planeta destruido para encontrar otro donde se permitan las condiciones de la vida.

De la misma manera que The Wild Blue Yonder de Werner Herzog, La difícil misión del Capitán K.S. cienciaficcionaliza un documental, en este caso, con el fin de lanzar un bien recibido mensaje de apreciación por este planeta, tan extraño porque tiene las condicionas tan raras que permiten el surgimiento de la vida aeróbica, como lo bien lo señala la astrofísica de la UNAM entrevistada a cuadro. Ingenioso humor, cámara autoconsciente, y una estupenda selección musical que confirman lo lúdica de la propuesta y el logro.

Las sugerencias indirectas

En Sutil (México, 2008, 12 minutos), mini-ficción de Luciana Solórzano hay un don casi milagroso para la comedia inspirada, efectivamente graciosa, algo que por desgracia cada vez es más raro en el cine mexicano "industrial" (jajaja). Una hija que vive comódamente en su depto, recibe a su insufrible madre, una vez que la casa de ésta es infestada por un plaga de ratas, y el universo pacífico se verá interrumpido al ocurrir la inevitable convivencia madre-hija, pero las ocurrencias de las hijas para lanzarle "indirectas" a su madre irán subiendo de intensidad hasta hacerla huir del departamento.

Glorioso slapstick gracias a la hija protagonista, hilarantes gags de todo tipo y un homenaje discreto a los padres fundadores de la mejor comedia hollywoodense: los hermanos Marx, Harold Lloyd, Charlie Chaplin y Buster Keaton.

El micro-western irresoluble

Marco Rubio en El sueño del coyote (México, 2008, 20 min) toma muy variadas referencias del western (desde Sergio Leone hasta Rob Zombie), para desterrarlas de sus territorios originales y efectuar la apabullante translación hacia las imponentes barrancas del estado de Chihuahua, con un actor de intenso acento chihuahuense. Algo parecido a la adaptación del Otelo de Shakespeare en Huapango de Iván Lipkies, ubicado en la Huasteca potosina.

Una magnífica reinvención de cada uno de los clichés y estereotipos del género (vía mecanismos almodovarianos), una pequeña obra maestra sobre el fraticidio nada justiciero, una ficción súper controlada que transita la fascinante línea entre la serie A más sublime y la serie B más deliciosa, una crónica irresoluble porque ese final exquisito sólo potencializa el misterio insondable en que todo decide sumergirse (vía Lynch). Porque "Llégale, Coyote. Ya es hora".

Lo dijeron bien/ II

2009-06-16T05:00:00.001-05:00

"Y luego vino la nefasta administración de Margarita López Portillo al frente de la Dirección de Radio, Televisión, y Cinematografía: una naca que se creía Sor Juana."

Jejeje. Hugo Stiglitz en el programa La historia detrás del mito.

Casta de malditos (1956)

2009-06-14T15:10:00.004-05:00

La confluencia de tiempos y el peso del movimiento del reloj arrasa todo y a todos, como lo establece en la escena inicial el narrador omnisciente que dejará clara la estructura audiovisual y espacio-temporal de la película. Arrasa al impeutoso Johny Clay (Sterling Hayden), quien organiza al equipo para realizar el atraco multimillonario al hipódromo. Arrasa al barman Mike O'Reilly (Joe Sawyer), a quien se le asigna la tarea de portarse valeroso en el momento de una pelea con un grandulón en el bar del hipódromo, por completo orquestada. Arrasa al pusilánime empleado de la taquilla de apuestas George Peatty (Elisha Cook, jr.), sumido en un matrimonio infernal con la arpía Sherry Peatty (Marie Windsor), encargado de darle acceso a Clay en el momento crucial, hacia las arcas repletas de fajos de billetes. Y arrasa con el resto del equipo formado para hacer el atraco, aún los dos contratados de último minuto para iniciar la pelea y disparar al caballo en plena carrera, suceso que iniciará el alboroto distractor para poner en marcha el plan, calculado con precisión milemétrica.

El cuarto largometraje del precoz genio neoyorkino Stanley Kubrick (tras el film noir pregodardiano El beso del asesino), con base a un guión propio y de Jim Thompson sobre la novela Clean Break de Lional White, Casta de malditos (The Killing, EUA, 1956) es una sensacional heist movie de perfeccionismo enfermizo e implacable intensidad, una obra maestra absoluta sobre la crueldad del destino o cualquier cosa que se le parezca, un film noir plagado de ironía y acidez menos interesado "en la idea de proponer nuevos caminos estéticos para dorar la píldora que simplemente dorar la píldora mediante nuevos caminos estéticos" (Agustín Galván), una asombrosa y maniática construcción de tiempos y espacios adelantada por décadas a que las moditas de narrativas fragmentadas y confluyentes irrumpieran en escena bajo el cobijo de Tarantino, Madonno Ritchie, Iñárritu y sus compinches, un relato demasiado brillante y atractivo que sólo puede existir en el cine.

Casta de malditos o la reinvención extrema. La explosiva cruza genérica entre heist movie y film noir se sublima con cada género abrazando al extremo sus respectivas convenciones en lugar de romperlas. Así, mientras El beso del asesino se veía y escuchaba como si Godard hubiera filmado un film noir en tierras americanas, Casta de malditos establece el sello particular de fuerza e intensidad que tendría el sello de Kubrick. Sólo ceñirse a las convenciones genéricas con esa fuerza, permite dinamitarlas desde adentro.

Casta de malditos o la espiral descendente. Admirable es la habilidad de Kubrick para elaborar esta galería de personajes tan repulsivos, tan ruines y tan bajos, alguno de ellos de plano vomitivos (la citada arpía Sherry Peatty es un excelente ejemplo: ególatra, interesada, egoísta, materialista y hasta adúltera) y al mismo tiempo trabajar sobre la fragmentación de los tiempos y espacios: mientras peor caen los personajes, los segmentos de espacio-tiempo fragmentados se van acortando, cual círculos concéntricos, como si se tratara de una espiral cada vez más estrecha y opresiva. El hecho de que ninguno, absolutamente ninguno, de los personajes tenga una cualidad redentora igualmente es digno de alabanza, porque nunca dejan de ser atractivos o carismáticos o de plano fascinantes ante nuestros ojos. La metafísica del antihéroe.

Casta de malditos o la broma cósmica. Un pequeño y chingativo french poodle dará al traste con los planes de Clay de escaparse con el botín y con su amante desechable: es el chiste supremo colmado de ojetez, la impúdica carcajada de los dioses, la resignación arrasante de que ya todo valió madres, la risa de la película sobre sí misma, "la crueldad cósmica" (Ernesto Diezmartinez).

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The Killing 10

Nuevos medios

2009-06-13T07:00:00.000-05:00

Propiamente no es cine. Pero aún así. De pocasumadre. Dirigido por Bang-yao Liu. Su proyecto de titulación del Savannah College of Art and Design.

Las 50 mejores películas de los 2000s según yo. Versión 2.0

2009-06-11T20:17:00.013-05:00

(con una ayudadita del santísimo patriarca Nathaniel Rogers en la explicación introductoria)

Lo que esta lista NO es

1. Una lista de las películas más grandiosas de la década.

2. No está escrita en piedra. Será sujeta a revisiones en los años por venir.

Entonces, ¿qué carajos es esta lista?

Es una lista de 50 filmes de los 2000s (2000-2009) con los que tengo una relación más profunda de lo habitual. La motivación original para hacer la lista vino cuando años atrás Cinemarati pidió a sus miembos que compilaran sus top 100s bajo el encabezado "Películas en las quien pienso cuando pienso sobre cine". Por consiguiente: Un canon personal. En algunos de los casos - digamos el 50% de la lista- ciertos títulos también estarían en una lista de "las más grandiosas películas de los 2000s". Series de televisión y cortometrajes no son elegibles.

Lo que deben hacer con la lista

1. Leerla. Disfrutarla. Reírse de ella. Alabarla. Rascarse la cabeza en confusión. Arrugar la nariz (Sí, Hostal estará en la lista).

2. Usarla como guía de rentas.

3. Comentar sobre ella. Casi todo es mejor si está permitida la interacción.

4. No pedir justificaciones sobre los gustos que conformaron esta lista. No lo hagan. Tales justificaciones vendrán en su debido tiempo. O no.

(empezamos)

1. Mulholland Dr. (David Lynch, 2001)

2. Paranoid Park (Gus van Sant, 2007)

3. Femme fatale (Brian de Palma, 2002)

4. Pasiones salvajes (Bruno Dumont, 2003)

5. Tres tiempos (Hou Hsiao-hsien, 2005)

6. La ciudad del pecado (Miller-Rodriguez-Tarantino, 2005)

7. Mystic River (Clint Eastwood, 2003)

8. Dancer in the Dark (Lars von Trier, 2000)

9. Los síndromes del siglo (Archie, 2006)

10. El viaje de Chihiro (Hayao Miyazaki, 2001)

11. La virgen de los sicarios (Barbet Schroeder, 2000)

12. Spider (David Cronenberg, 2002)

13. Elefante (Gus van Sant, 2003)

14. Las estaciones de la vida (Kim Ki-duk, 2003)

15. Eréndira Ikikunari (Juan Mora-Catlett, 2006)

16. Mil nubes de paz (Julián Hernández, 2003)

17. Oldboy (Park Chan-wook, 2004)

18. Nuestra música (Jean-Luc Godard, 2004)

19. Madeinusa (Claudia Llosa, 2006)

20. Pasiones secretas (Jean-Claude Brisseau, 2004)

21. Golpes del destino (Clint Eastwood, 2004)

22. Crimen ferpecto (Alex de la Iglesia, 2004)

23. 2046 (Wong Kar Wai, 2004)

24. C.R.A.Z.Y. (Jean-Marc Vallée, 2005)

25. Muñecas (Takeshi Kitano, 2002)

26. En las arenas negras (Marcel Sisniega, 2002)

27. Standard Operating Procedure (Errol Morris, 2008)

28. Taxi al lado oscuro (Alex Gibney, 2007)

29. Buscando a Nemo (Andrew Stanton, 2003)

30. Al otro lado (Natalia Almada, 2005)

31. Gerry (Gus van Sant, 2002)

32. Párpados azules (Ernesto Contreras, 2007)

33. Lost in Translation (Sofia Coppola, 2003)

34. Donnie Darko (Richard Kelly, 2001)

35. The Host (Bong Joon-ho, 2006)

36. Así (Jesús-Mario Lozano, 2005)

37. Wendy and Lucy (Kelly Reichardt, 2008)

38. Día noche día noche (Julia Loktev, 2006)

39. La música más triste del mundo (Guy Maddin, 2003)

40. Los poseídos (Kim Ji-woon, 2003)

41. La sombra del vampiro (E. Elias Merhige, 2000)

42. Sin lugar para los débiles (Coen Bros, 2007)

43. Dueños de la noche (James Gray, 2007)

44. Hostal (Eli Roth, 2005)

45. Hable con ella (Pedro Almodóvar, 2002)

46. 8 mujeres (François Ozon, 2002)

47. Satanás (Andrés Baiz, 2007)

48. Nuovomondo (Emanuele Crialese, 2006)

49. Cinco días sin Nora (Mariana Chenillo, 2008)

50. Tropa de élite (José Padhila, 2007)

Lo dijeron bien/ I

2009-06-11T05:00:00.001-05:00

"La tragedia griega y el cine son medios incompatibles. Mientras la tragedia plasma un universo cerrado, donde cada uno de los personajes ya tiene el destino escrito en piedra, el medio cinematográfico debe esforzarse por plasmar un universo abierto, donde los personajes están sujetos a la aleatoriedad".

Siegfried Krakauer en el insuperable Teoría del Cine.

Presentación estelar/ III

2009-06-10T05:00:00.001-05:00

Para vestir santos de Armando Casas, con la gran Claudia Goytia (con un guión de su autoría) y Hugo Arana. Un par de años después de filmar esa maravilla llamada Un mundo raro, el director del CUEC se aventaría este cortito transgresor. ¡Que lo disfruten!

Nota: Rated-R for strong sexuality and nudity. Así que cuídense si están en una oficina sin privacidad.

Nota 2: Perdonen la desincronzación de audio y video. El que hizo la transferencia como que no le sabía muy bien.

Ya no las hacen así

2009-06-09T07:50:00.005-05:00

Próximamente en el blog la reseña in extenso de una de las películas más grandiosas jamás creadas. Una pena que ya no se hagan películas así. Pero cuando se ve que una basura del tamaño de la nueva de Boyle se lleva todas las palmas, la cacareada Muerte del Cine sólo cobra más sentido.

Cómo atrapar a un millonario (2007)

2009-06-08T00:01:00.001-05:00

LA COMEDIA ROMÁNTICA EDITORIALISTA

En Cómo atrapar a un millonario (Suburban Girl, 2007), debut en la realización de Marc Klein (el guionista de Serendipity y Un buen año), con un guión suyo basado en dos cuentos de Melissa Bank, la inteligente aunque indecisa asistente de edición con nombre de inspiración literario Brett Eisenberg (Sarah-Michelle Gellar formidable), ve como su jefa en la editoria es despedida sin explicación alguna, para observar el ascenso de la provocadora-sin-ropa -interior Faye Faulkner (Vanessa Branch) como su jefa y ve también cómo es adoptada como pupila en el mundo editorial por el millonario dueño de la empresa rival Archie Knox (Alec Baldwin panzón pero sin canas), para ser enseñada los pormenores de los tejes y manejes del juego editorial, ser seducida por él, y finalmente madurar para darse cuenta de que él nunca será más que un tutor.

La comedia romántica editorialista, retomando el mito de Pigmaleón y Galatea, se las ingenia para elaborar una fina comedia antiesnobismo, en el fondo despiadada, al lado de maravillas auténticas tipo Crimen ferpecto o Sueños de orquesta, aunque en un registro diferente, más cercano a la comedia corporativista en femenino tipo Secretaria ejecutiva de Mike Michols o la satírica Las ex novias de mi novio de Nick Hurran.

La comedia romántica editorialista jamás traiciona sus ambiciones literarias y cultistas, mediante un divertidísimo guión archigenial, en el límite de la perfección, plagado de líneas memorables, una estructura dividida en pequeños capítulos de ingeniosillos título en fondo negro, y una puesta en escena maniáticamente elegante, afelpada como pocas en el cine americano reciente, principalmente en la comedia.

Y la comedia romántica editorialista es un historia doble de crecimiento, en el que el tutor abrazará la posibilidad de envejecimiento y la pupila madurará para saber qué quiere y cómo lo quiere, tomando de una vez por todas las riendas de su promisoria vida.

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Suburban Girl 7

Tiburón (1975)

2009-06-04T23:04:00.004-05:00

ENFRENTAMIENTOS

La escena inicial es brillante. Una fiesta medio hippiosa, medio fresona cerca de la playa y la rubia de rigor, entre babas y cachondona, se dirige hacia el mar, despojándose generosamente de sus ropas. Un tipo la sigue, jadeando y con dificultades, probablemente causadas por la ingesta de alcohol y enervantes. Y así nada más, la rubia quedará sumergida en la orilla del mar, presa mortal de los aterradores acordes de la partitura de John Williams (en su modalidad áspera y oscura) y de las fauces asesinas de una criatura marina que la devorará, criatura genialmente inmostrable, al menos durante la primera hora del filme.

El tercer largometraje de Steven Spielberg, Tiburón (Jaws, EUA, 1975), es un ejercicio malsano e inclemente de acumulación y liberación de tensión narrativa al borde del más apabullante virtuosismo, un híbrido de cine de aventuras y de terror de matiné que nunca oculta sus ambiciones literarias, un tratado sobre los alcances y el poder del Enfrentamiento, un disparejo thriller demasiado genial y maduro en su primera parte y un tanto desfachatado en su segunda.

Parte de la tensión generada en la película vendrá de los sucesivos enfrentamientos que tendrán lugar en ella. Primero, es el enfrentamiento entre los intereses políticos supeditados a la ganancia económica (“¡Es que no podemos cerrar las playas! ¡Es 4 de julio!”), en lugar de velar por el bienestar físico de los habitantes de la isla. Posteriormente, se vuelve un enfrentamiento entre la estupidez (“Ni crea que va a realizar la autopsia a este pecezote, ¡éste es el que buscamos!”) y la inteligencia. Y finaliza como un enfrentamiento entre el hombre y la naturaleza, donde se hace más patente la inspiración literaria de la película y de la novela de la cual se adaptó.

Hay una virtud innegable en el hecho de no mostrar al monstruo durante la primera hora. El joven e impetuoso Spielberg se puede concentrar en los movimientos de cámara, en ese montaje obsesivamente perfecto trabajado como relojero, en saber el momento más adecuado en que los acordes legendarios de John Williams (mucho antes de que descendiera a lo peor de su sacarinoso cursilirismo), alcanzando un estado sostenido de tensión inaguantable y un virtuosismo precoz. Al mostrar el monstruo durante la segunda hora todo eso se tirará a la borda, para mejor mimetizarse con el más rancio o chafiexquisito, según se prefiera, cine de serie B, excesivo y descabellado, en el que Brody le avienta un “Smile, you son of a bitch!” al pobre tiburón ultraglotón antes de hacerlo volar en mil pedazos.

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Jaws 8

Las 50 mejores películas de la década según yo

2009-06-04T05:00:00.009-05:00

(lista preliminar y en orden más o menos desmadroso)

01. Mulholland Drive

02. Paranoid Park

03. Femme fatale

04. Pasiones salvajes - 29 palmas

05. Tres tiempos

06. La ciudad del pecado

07. Río místico

08. Dancer in the Dark

09. Los síndromes del siglo

10. El viaje de Chihiro

11. La virgen de los sicarios

12. Spider

13. Elefante

14. Las estaciones de la vida

15. Eréndira Ikikunari

16. Mil nubes de paz cercan el cielo

17. Oldboy

18. Nuestra música

19. Madeinusa

20. Pasiones secretas

21. Golpes del destino

22. Crimen ferpecto

23. Los poseídos

24. C.R.A.Z.Y.

25. Muñecas

26. SOBA

27. Standard Operating Procedure

28. Taxi al lado oscuro

29. Inland Empire

30. Al otro lado (la de Natalia Almada)

31. Gerry

32. Párpados azules

33. Adán y Eva (todavía)

34. Donnie Darko

35. El huésped

36. Así

37. Wendy y Lucy

38. Día noche día noche

39. La música más triste del mundo

40. La sombra del vampiro

41. Coraline y la puerta secreta

42. Sin lugar para los débiles

43. Dueños de la noche

44. Madame Satá

45. Hable con ella

46. 8 mujeres

47. Satanás

48. The Golden Door

49. Cinco días sin Nora

50. Tropa de élite

Hasta que la boda nos separe (2006)*

2009-06-03T05:00:00.003-05:00

PRENUPCIALES

Sin necesidad de los insoportablemente mamones tics posDogma 95 de la inflada El casamiento de Raquel, Edward Burns en su película como autor total Hasta que la boda nos separe (The Groomsmen, EUA, 2006) logra una muy efectiva sensibilidad emocional, encerrada dentro de una male weepie movie.

Consiguiendo momentos de honestidad sentimental que rara vez se ven en el cine hollywoodense modelo siglo XXI, la película versa sobre la reunión de un grupo de amigos que han sido llamados a ser padrinos de la boda de Paulie (Edward Burns) con su novia embarazada Jules (Brittany Murphy).

Las dinámicas prenupciales son marco y telón de fondo para una serie de elaborados, maduros y finos gags, y una disertación sobre el romance, la amistad, la vida matrimonial, y el amor, insólitamente desde el punto de vista exclusivamente masculino.

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The Groomsmen 7

*Se exhibe este mes por Movie City.

Presentación estelar/ II

2009-06-02T05:00:00.002-05:00

Presentamos por tercera ocasión, un favorito del blog y uno de los mejores cortometrajes mexicanos de la década . I was busy finding answers while you just got on with real life de Raúl Fuentes.

parte 1

parte 2

Jejejeje, que Inglorious Basterds ni qué nada

2009-06-01T20:10:00.004-05:00

Amores modernos (2008)*

2009-06-01T00:01:00.001-05:00

METAMUSICALES

Sólo era cuestión de tiempo. Después de las revisiones al musical francés por cortesía de François Ozon (8 mujeres) y Christophe Honoré (Las canciones del amor), se veía venir la obra maestra (Rumba) y la metapelícula: Amores modernos (Modern Love, Francia, 2008), de Stéphane Kazandjian.

La película dentro de la película, titulada Modern Love, presume sus formidables baladas pop, sus números musicales estupendamente bien montados y filmados, en la esquina opuesta del musical americano más rancio y anticinemático (que alcanzaría su nadir con la espantosa Mamma Mia!) y una asombrosa química histriónica entre el canadiense Stéphane Rosseau y la francesa Alexandra Lamy.

La película fuera de la película, concierne a un grupo de parisinos, uno de ellos el guionista de Modern Love, interconectados con un dispositivo narrativo de comedia romántica en modo altmaniano (a lo Love Actually de Richard Curtis), con el libertinaje sentimental y sentimental del musical español pop del siglo XXI (a lo Al otro lado de la cama).

Y como si se tratara de otro mundo, esas clases de español con la maestra peninsular sirven como coro griego, en un filme que heréticamente parece declarar que "el amor jamás es como lo pintan en las películas", con ese acto final brutal, duro y deliciosamente irracional.

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Modern Love 8

*Amores modernos se exhibe este mes por Movie City.